TheaterBlick: Theater in Berlin

Im Männerknast: Premiere „Edward II“ von Christopher Marlowe (Schaubühne)

2011-12-19T19:08:00.009+01:00

Gedanken und Gefühle sortieren nach diesem Stück, das mich wahnsinnig berührt hat. Ein Inszenierung deren Bilder und Eindrücke einem nicht so schnell aus dem Kopf gehen.

Edward II, König von England ist verliebt in den Emporkömmling Gaveston und ignoriert von seinem Liebestaumel verblendet die bevorstehende Gefahr (England ist von Feinden umzingelt). Er kommt seinen Pflichten als Herrscher nicht mehr nach und verliert zunehmend an Autorität. Eine Gruppe von Edelmännern will Gaveston beseitigen. Die Motive sind dabei unterschiedlich: Während der Anführer Mortimer für sich Karriere- und Aufstiegschancen wittert und obendrein mit der verstoßenen Königin anbandelt, geht es Edwards Bruder Kent darum, die Ordnung wieder herzustellen.

Ivo van Hove verlegt die Handlung von Edward II (Christopher Marlowe) in ein Gefängnis und besetzt das Stück durchgehend mit Männern. Machtkämpfe und Gewalt sind hier an der Tagesordnung und über den Knastzellen, die von je einem Mann bewohnt werden, hängt eine Videoleinwand auf der Bilder aus den Zellen oder dem hinteren Bühnenbereich gezeigt werden. Als Gefängniswärter überblickt Leicester von seinem Büro aus die Geschehnisse in den Zellen und führt schließlich auf Anweisung Hinrichtungen durch.

Gaveston stört die Männer in ihrer Ordnung und ihrem Standesdünkel und muss beseitig werden. Nicht an der Homosexualität des Königs stören sie sich – diese wird von allen Insassen praktiziert (zusätzlich hat Ivo van Hove die einzige weibliche Rolle ebenfalls mit einem Mann besetzt). Eifersucht und die Angst, jemand von unangemessenem Stand könne von der Gunst des Königs profitieren, treibt sie an.

Um an dieser Stelle zwei schauspielerische Leistungen zu hervorzuheben: Stefan Stern überzeugt als Edward in seiner Hingabe an seinen Geliebten Gaveston (Christoph Gawenda) sowie seiner Verzweiflung über dessen Tod und dem folgenden Verfall. Aus dem Ensemble sticht außerdem Kay Bartholomäus Schulze als verstoßene Königin Isabella heraus. Der schwierige Text scheint wie für ihn geschrieben zu sein – einen anderen Schauspieler kann man sich in dieser Rolle in dieser Inszenierung nur schwer vorstellen.

Kaum eine Minute bleibt dem Zuschauer, um sich zu erholen. Die an die Nieren gehenden Gewaltszenen werden verstärkt durch die Verdopplung auf der großen Videoleinwand. Das intensive sehr körperliche Spiel der Schauspieler – oft finden zudem Handlungen parallel auf der Bühne statt – gewährt einen tiefen Einblick in die Seelen der Figuren. Noch nicht mal zwischen den Szenen, wenn die Bühne dunkel wird, bleibt Zeit, um das Gesehen sacken zu lassen, denn auf dem Bildschirm werden zwischen den Szenen die Themen (Politik, Verrat, Homosexualität…) des Stückes mit einem Donnerschlag eingeblendet. Die Schlussszene, in der Leicester nach getaner Arbeit und der Durchführung aller Morde, den Weg nach Hause antritt, wo er von seiner Frau mit dem Abendessen empfangen wird, führt einem noch einmal die Kaltblütigkeit im Stück vor Augen. Soeben wurden sechs Menschen niedergemetzelt und schon sind sie Geschichte, man geht zur Tagesordnung über.

Wenn ich die Nachtkritik und die Kritikerrundschau lese, frage ich mich, ob ich das selbe gesehen habe, wie die meisten Kritiker. Natürlich gibt es unterschiedliche Geschmäcker. Aber kann man eine Inszenierung so unterschiedlich auffassen?

Infos zum Stück auf der Seite der Schaubühne.

Foto: Jan Versweyveld

Raum für Schauspieler: "Kinder der Sonne" von Maxim Gorki (Deutsches Theater)

2011-12-07T13:36:00.013+01:00

"Kinder der Sonne" wurde kürzlich von der Berliner Theatergemeide zur Aufführung des Jahres gewählt. Und im Oktober erhielt Stephan Kimmig den Faust-Preis für seine Inszenierung. Dabei lebt das Stück vor allem von den guten Schauspielern, von den Dialogen, vom Text. Das Identifikationspotential mit den Figuren ist groß. Leicht lässt es sich in die Situationen, in denen sich die Figuren befinden, hineinfühlen. Das ist wohl auch einer der Gründe, warum das Stück ein solch großer Erfolg am Deutschen Theater ist. Warum es insbesondere für seine Regieleistung ausgezeichnet wurde, bleibt vor diesem Hintergrund etwas unklar. Aber vielleicht ist genau das der Regie-Trick: Den Schauspielern (u.a. Nina Hoss, Ulrich Matthes, Olivia Gräser/Katharina Schüttler) Raum geben sich entfalten zu können, ihnen die Möglichkeit geben, ihr Können voll auspielen zu können. Es ist eine Wohltat ihnen dabei zuzusehen, allen voran Alexander Khuon. Auf jeden Fall hat Stephan Kimmig da etwas Tolles für das Publikum geschaffen.

In Gorkis Stück lässt tritt die sogenannte "Intelligenzija" auf - ein Wissenschaftler (Ulrich Matthes), ein Künstler (Sven Lehmann) und ein Tierarzt (Alexander Khuon). Diese Menschen sind in ihre Welt so stark eingebunden, dass sie, obwohl sie sich moralisch verantwortlich fühlen, nicht im Stande sind zu handeln. Ich empfehle in diesem Zusammenhang das Programmheft zur Inszenierung. Hierin finden sich sieben Interviews mit Personen, die die Themen, Figuren und Empfindungen in Gorkis Stück wiederspiegeln. Ein Tierarzt, der das Theater liebt, eine Dozentin, ein Genetiker, eine Architektin, die von der unerwiedertern Liebe zu ihrem Chef spricht (sehr berührend!) u.a.

Weitere Infos auf der Seite des Deutschen Theaters

Eine Reise ins Innere: "Winterreise" von Elfriede Jelinek (Deutsches Theater)

2011-11-25T18:08:00.002+01:00

Drei Stunden Jelinek könnten anstrengend werden. Und die Themen im Stück sind keine leichte Kost: Die Demenzerkrankung der Vaters, die übermächtige Mutter, der Fall Natascha Kampusch, an dem die Autorin ihren eigenen seelischen Zustand festmacht, und die zunehmende Fokussierung auf Sexualität im Internet. Es braucht jedoch nur wenige Minuten, um sich auf den Text einzulassen, der in wechselnden Monologen von den fünf Schauspielerinnen (Annette Paulmann, Maria Schrader, Susanne Wolff, Judith Hofmann, Anita Vulesica) gesprochen wird. Es gibt so gut wie keine Dialoge, aber gerade dass macht es so erträglich – die Worte und Sätze klingen wie ein Musikstück und unterliegen einem Rhythmus, auf den man sich einlassen kann. Dabei befreit man sich davon, jeden Gedankengang, der hier vorgetragen wird verstehen zu müssen. Oft nimmt man eine bestimme Atmosphäre, ein Gefühl mit. Das alles ist nicht zuletzt den starken Schauspielerinnen - da hat Andreas Kriegenburg (Regie) die perfekte Wahl getroffen - zu verdanken, die die unglaubliche Textmenge für das Publikum zu einem ganz besonderen Erlebnis machen.

Weitere Infos zur Inszenierung auf der Seite des Deutschen Theaters.

Du wirkst etwas verhaltensauffällig: "Perplex" von Marius von Mayenburg (Schaubühne)

2011-11-14T13:19:00.006+01:00

Wenn vier Schauspieler über ihre Rolle auf der Bühne erzählen und dabei von einer in die nächste Wechseln, ohne dass sich genau festlegen lässt, wann die Szene und die Rolle wechselt, dann ist das Perplex.

In dem Stück von Marius von Meyenburg spielen sich Eva Meckbach, Judith Engel, Robert Beyer und Sebastian Schwarz selbst. Oder vielleicht doch nicht? Sie spielen Eva, Judith, Robert und Sebastian, die verschiedene Rollen spielen in wechselnden Paarungen. Der Übergang von einer Szene in die nächste, der Wechsel von einer Rolle in eine andere ist dabei fließend. Beim Zuschauer entwickelt sich freudige Erwartung auf die die nächste Figur, die nächste Konstellation („Das ist in jedem Vier-Personen-Stück so: Beischlaf mit Partnertausch und anschließender Depression.“) Immer kann mindestens eine Person, die Szene nicht steuern, weil die anderen längst bestimmt haben, wohin es gehen soll.

Das Stück steckt voller Anspielungen auf die Arbeit am Theater, auf Klischees, auf Situationen, die Schauspieler seit Jahren kennen. So erklärt Judith, wie es ist, wenn sich die Schauspieler in ihren Rollen im Stück eben noch gegenseitig umbringen wollten und in der nächsten Minute, wenn das Licht aus und wieder angeht, rücksichtsvoll den umgefallenen Stuhl aufheben, der in der vorigen Szene umgestoßen wurde: „Immer hebt einer den Stuhl auf.“ Und als ob sie das unterstreichen wollten, schiebt einer der Schauspieler am Ende des Stückes vor der Verbeugung die soeben auf der Bühne verteilten Polster beiseite, damit die Kollegen nicht darüber stolpern. Unbewusst oder absichtlich?

Und auch der geübte Theaterzuschauer wird angeschubst. Wenn Eva Sebastian unterbricht, der in einer typischen Szene (alle sind von der Bühne verschwunden und jetzt mache ich mir ein Bild von der Situation) zu einem Monolog ansetzt: „Wir hatten doch gesagt, wir machen keine Monologe mehr“ führt das dazu, dass man sich, von der antrainierten Erwartung frei macht, dass jetzt einer die Bühne für sich hat. „All by myself“ singt Sebastian stattdessen.

„Perplex“ ist ein ständiger Identitätswandel – genau wie Schauspieler es täglich erleben, wenn sie jeden Abend in eine andere Rolle schlüpfen - und am Ende bleibt nicht nur die Erkenntnis, dass bei diesem Stück irgendwie kein Regisseur anwesend war, sondern auch die Frage „Aber wer hat mich den eigentlich besetzt?“ .

Weitere Infos und Trailer auf der Seite der Schaubühne.

Foto: Tania Kelley

Freunde der Schaubühne: Einführung in "Eugen Onegin"

2011-11-09T23:20:00.005+01:00

Das erste Treffen der Freunde nach Venedig. Kaum zu glauben, dass es erst einen Monat her ist, seit wir im T-Shirt über den Lido gelaufen sind, denn heute hat definitiv die kalte Jahreszeit begonnen. Draußen ist es nebelig, wir versammeln uns im Café der Schaubühne für ein weiteres kleines aber feines gemeinsames Theatererlebnis. Carola Dürr (Dramaturgin) und Elena Zykova (Bühne) geben uns eine Einführung in „Eugen Onegin“.

Bei „Eugen Onegin“, den meisten von uns besser als Oper bekannt, handelt es sich eigentlich um ein Versepos von Alexander Puschkin. Der russische Nationaldichter schrieb den „Roman in Versen“, wie er seinen Text selbst nannte, zwischen 1823 und 1830.

Der lettische Regisseur Alvis Hermanis, von dem schon einige Gastspiele an der Schaubühne zu sehen waren, setzt den Text mit nur fünf Schauspielern (Robert Beyer, Eva Meckbach, Sebastian Schwarz, Tilman Strauß, Luise Wolfram) für das deutsche Publikum um. Ursprünglich kommen insgesamt ca. 100 Personen vor.

Auf der Bühne (bzw. dem Model des Bühnenbilds) wimmelt es nur so von Requisiten und es liegen zig Bücher herum. Optisch erfordert diese Inszenierung also schon mal erhöhte Aufmerksamkeit.

Modern wird diese Inszenierung bewusst nicht. Carola Dürr erklärt, dass die Kostüme im Stück, der Originalkleidung der Zeit stark nachempfunden wurden und dabei sogar darauf geachtet wurde, dass möglichst Originalstoffe verwendet werden. Die Frauen tragen Korsette. Die Männer auch. Überhaupt wird bei der Inszenierung großen Wert darauf gelegt, alles möglichst nah am Alltag der Menschen des 19. Jahrhunderts in Russland zu gestalten.

Die Premiere findet am 25. November statt. Weitere Infos zum Stück auf der Seite der Schaubühne.

Mit Capri-Sonne im Scout Ranzen auf Terroristenjagd: "Zack 'n' Dave" (Schaubühne)

2011-10-27T23:58:00.016+02:00

"Das wird ein linger Ratt!" prophezeit Zack mit ernster Miene, bevor er sich mit seinem Partner Dave auf die bereitstehenden Holzpferde schwingt. Spätestens jetzt ist es um die Contenance der meisten Zuschauer geschehen. Die Krimisoap "Zack 'n' Dave" im Studio der Schaubühne lebt zu einem großen Teil von derlei Quatsch-Wortspielereien und davon, die bekannten Krimiserien der 80er Jahre gehörig auf die Schippe zu nehmen. Wem möchte man den halbseidenen US-Bullen, der keine Karte lesen kann, lieber abkaufen als Sebastian Schwarz (Zack Black). Gemeinsam mit David Ruland (Dave Quietland -total irre mit Scout Ranzen, in dem die Capri-Sonne ausläuft, so dass die beiden Helden schrecklichen Durst erleiden müssen) hat er die Serie "Zack 'n' Dave"konzipiert hat. Hinzu kommen Kurzauftritte von Schaubühnenkollegen auf der Leinwand (Thomas Thieme, Jörg Hartmann), eine überdrehte deutsche Familie auf Urlaub in der Wüste Afghanistans und ein durchgeknallter Taliban. Und wie in jeder ordentlichen Serie gibts spätestens nach 25 Minuten eine Werbepause, nach der die Handlung wie immer viel zu weit vorne wieder einsetzt. Das nervt sogar die Schauspieler, die darum bitten, dass der Film doch bitte im Schnelldurchlauf wieder in an die Stelle gespult wird, an der er abgebrochen wurde.

Spaß haben nicht nur die Zuschauer, sondern offensichtlich auch die Schauspieler. Und für nur 5 Euro ist "Zack 'n' Dave" die perfekte Alternative zum Serienschmarn und CSI-Einerlei im Fernsehen.

Zack’n’Daves schwerster Fall: Seit 2001 jagte die Welt Osama bin Laden, der mit der von ihm gebauten Talibahn aus Tora Bora geflohen war. Boss Thieme wurde entführt und ist nun offenbar in der Hand der Terroristen. Der Präsident der USA setzt auf seine besten Einsatzkräfte, um den Boss nach Hause zu holen...

Freunde der Schaubühne: Venedig (2)

2011-10-20T15:45:00.017+02:00

In Venedig ist alles Kunst. Oder Theater. Sagt Martina, unsere Führerin in der Basilica S. Maria Gloriosa Dei Frari. Und es stimmt. So viel Kunst so geballt habe ich selten erlebt und selten habe ich mir so sehr gewünscht, noch viel mehr Zeit zu haben. Das alles noch mehr zu genießen und vor allem zu verarbeiten.
Sollte ich in meinem Leben noch mal zur Biennale kommen, wünsche ich mir (mindestens) einen ganzen Tag in den Giardini, damit man sich zwischen den Besichtigungen der Pavillons und der großen Ausstellung immer mal wieder in den Garten ans Wasser setzen kann. Ruhe, um das Gesehene zu verarbeiten. Ein weiterer Tag ginge für die Arsenale drauf.

Und wie soll man es bei dieser Üebrdosis zeitgenössischer Kunst noch schaffen, die klassische Kunst zu verarbeiten: Allein der Dogenpalast auf der Piazza San Marco bietet so viele Kunstschätze, dass einem schwindelig werden kann (könnte aber auch das "Phantomschaukeln" sein, das sich nach zwei Tagen Vaporetto-Fahren einstellt).

Und wo haben wir sie, die Verbindung von Kunst und Theater? Im Deutschen Pavillon von Christoph Schlingensief. Egomania. Drinnen: "Eine Kirche der Angst vor dem Fremden in mir" kennen wir natürlich (aus dem Theater). Und dann passiert es wieder: Ich habe mal wieder das Gefühl, Schlingesief ist da. Das ging mir zuletzt bei Via Intolleranza so. Und hier liegt es eindeutig wieder an den Videodokumenten, seinen Interviews zu seinen Filmen und anderen Projekten. Und Schlingensief kann man (kann ich) stundenlang beim Reden zuhören.

PS. An dieser Stelle noch einmal herzlichen Dank an Christian für die Organisation der Venedig-Reise und dafür, dass er immer alles irgendwie noch hinbekommen hat - mit einer großen Portion Humor, Frohsinn und Geduld -, obwohl die Venezianer uns den ein oder anderen Strich durch die Rechnung gemacht haben.

Freunde der Schaubühne: Venedig (1)

2011-10-13T13:38:00.006+02:00

Ich erlaube mir, von unserer Reise nicht chronologisch zu berichten und beginne mit dem eigentlichen Grund und damit gleichzeitig mit dem Höhepunkt unseres Aufenthalts in Venedig: Die Verleihung des Goldenen Löwen an Thomas Ostermeier am Montag, 10.10.2011 im Ca’ Giustinian im Rahmen der Biennale Teatro 2011. Während der gleichen Zeremonie erhielt Stefan Kaegi (bzw. das Rimini Protokoll) den Silbernen Löwen als Auszeichnung für ein vielversprechendes Theaterprojekt. Wäre es nach Ostermeier gegangen, hätte das Rimini-Protokoll ebenso den Goldenen Löwen bekommen, wie er in seiner Dankesrede betont.

Wie kann man eine solche Preisverleihung noch toppen? Klar – mit Theater! Weil ich den Hamlet der Schaubühne (ja, mein Lieblingsstück und von der Schaubühne sowieso!) das letzte mal vor drei Jahren gesehen habe, habe ich mich den ganzen Tag auf die Vorstellung – die Italien-Premiere – gefreut. Die Betreiber des Teatro Goldoni haben es dann auch noch extra spannend gemacht, indem sie statt wie geplant um 20 Uhr einfach ein halbe Stunde später angefangen haben. Sicherlich auch für die Schauspieler, die ja schon vor Beginn des Stückes auf der Bühne sind, keine tolle Situation. Schuld waren Ungereimtheiten bei der Sitzplatzverteilung. Aber so richtig hat uns das zu diesem Zeitpunkt eigentlich nicht mehr gewundert – hatten wir doch die letzten Tage gelernt, dass die Italiener Absprachen manchmal nicht so verbindlich nehmen bzw. Missverständnisse ganz normal sind. Schließlich hatten alle irgendeinen Platz, sogar die, die ohne Karte am Theater ankamen (wie schön!), allerdings nicht immer den allerbesten (nicht so schön!). Wenn man gefühlte 500 Meter entfernt von der Bühne sitzt, die man nur komplett sieht, wenn man aufsteht, ist man froh, wenn man das Stück schon mal gesehen hat. Es ist halt immer besser, wenn man die Gesichter der Schauspieler sehen kann. Aber: Im Rückblick ist das alles nur noch halb so schlimm und das Stück entschädigt für alle Unannehmlichkeiten. Lars Eidinger hat extra für das Venezianische Publikum ein paar Italien spezifische Besonderheiten eingebaut („Mamma Mia!“) und ansonsten freut man sich einfach über die für den Schaubühnen-Hamlet typischen Elemente: Deichkind, New Balls, usw. Und natürlich die tollen, tollen Schauspieler! Wir habens genossen und das italienische Publikum auch.

Der Rest ist ein spätes Abendessen gemeinsam mit dem Schaubühnen-Team im Paradiso Perduto. Für den Weg zurück zum Hotel lassen wir uns viel Zeit, fahren drei Stationen Vaporetto mit einigen Schauspielern. An der letzten Brücke wollen wir eigentlich noch nicht, dass der Tag und damit unsere Venedig-Reise zu Ende ist. Daher bleiben wir hier einfach noch eine halbe Stunde stehen und werfen Münzen in den Kanal, damit wir wieder kommen können.

UFA Filmnächte im Schlosspark Sanssouci vom 1.-3. September 2011

2011-08-12T15:13:00.007+02:00

Auf großer Leinwand und vor der spektakulären Kulisse der Orangerie im Park Sanssouci zeigt die UFA vom 1.- 3. September open air Filme, die Kinogeschichte geschrieben haben, darunter zwei der wichtigsten Filme der Weimarer Republik: „Der letzte Mann“ und „Nosferatu – eine Symphonie des Grauens“.

Das Deutsche Filmorchester Babelsberg unter der Leitung von Helmut Imig wird diese beiden Stummfilme mit Originalpartituren live begleiten.

„Nosferatu - eine Symphonie des Grauens“ von Friedrich Wilhelm Murnau, uraufgeführt 1922 mit Max Schreck in der Rolle des Grafen Orlok läuft am Donnerstag, den 1. September.

„Das Flötenkonzert von Sanssouci“ einer der ersten Tonfilme überhaupt, uraufgeführt am 19.
Dezember 1930, von Gustav Ucicky mit Otto Gebühr in der Rolle des Preußenkönigs Friedrich des Großen ist am Freitag, den 2. September.

„Der letzte Mann“ ebenfalls von Friedrich Wilhelm Murnau, mit dem unvergessenen Emil Jannings in der Hauptrolle und uraufgeführt am 23. Dezember 1924, läuft am Samstag, den 3. September.

Einlass ist an allen Tagen um 19.30 Uhr.
Die Kartenpreise liegen zwischen 12,- und 18,- Euro.

Die Filme stammen aus dem Bestand der Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung.
Die drei Filme repräsentieren jeder für sich einen Meilenstein in der Geschichte des Kinos und der Geschichte der UFA. Damals wie heute prägt das Potsdamer Unternehmen die Filmlandschaft maßgeblich.

Vor Beginn der Filmvorführungen werden die Zuschauer von prominenten Paten mit einem kurzen Vortrag in die filmhistorischen Hintergründe der drei UFA-Filmklassiker eingeführt. Und auch für das leibliche Wohl wird dem glanzvollen Rahmen entsprechend gesorgt sein.

Die UFA Filmnächte werden durch das Ministerium für Wirtschaft und Europaangelegenheiten des Landes Brandenburg sowie von der Landeshauptstadt Potsdam, vom Filmmuseum Potsdam, der Friedrich Wilhelm Murnau Stiftung und Transit Film unterstützt. RBB Fernsehen und Radio Eins sind Medienpartner.

Weitere Infos unter www.ufa-filmnaechte.de und www.ufa.de.

Foto: UFA

Wenn Schlagworte zur Worthülsen verkommen: "Freedom & Democracy I hate you" von Mark Ravenhill (BE)

2011-06-29T00:05:00.000+02:00

„Wir sind die Guten!“ rufen die Frauen zu Beginn von „Freedom an Democracy I hate you“ als sie sich gegen einen nicht näher benannten Feind zur Wehr setzen wollen. Sie sind die Guten, denn sie tun alles im Sinne der Freiheit und Demokratie. In allen elf Mini-Stücken aus dem Zyklus von Mark Ravenhill, der ursprünglich 17 kurze Stücke umfasst, werden diese Begriffe so inflationär gebraucht, dass sie zur hohlen Phrase verkommen. Ravenhill zeigt, dass die Schlagworte „Freiheit und Demokratie“ überall da eingesetzt werden, wo Grausamkeiten relativiert werden sollen. Sie sind die perfekte Rechtfertigung für Tod und Folter, Krieg und Psychoterror gegen den Feind, den es gilt für die eigene Sache gefügig zu machen. Und wer nicht mitspielt wird gebrandmarkt, wird zum Feind.

Immer wieder wird zudem die Frage gestellt, wie man am besten damit umgeht, wenn man sich im Kriegzustand befindet: Ignorieren - wie die Frau (Corinna Kirchhoff) in „Intoleranz“, die sich auf groteske Art mit ihren Frühstücksgewohnheiten und ihren Magenproblemen auseinandersetzt, während Kampfjets über ihr Haus fliegen. Verharmlosen - wenn die Mutter ihrem Kind in „Furcht und Elend“ erzählt, der Krieg sei „so weit, weit, weit weg“. Als Chance betrachten - wenn die Künstler in „Birth of a Nation“ Leute suchen, die schreiben, malen oder tanzen sollen, um von den Schrecken geheilt zu werden, denn „jeder will Kunst, jeder mag Kunst, also macht mal scheiß Kunst“. Verdrängen – wie in „Die Mutter“, in dem zwei Soldaten versuchen, einer Frau (Sevtlana Schönfeld) die Nachricht über den Tod ihres Sohnes zu überbringen. Diese lässt, die grausame Nachricht bereits erahnend, die Soldaten nicht zu Wort kommen und versucht durch schlüpfriges Geplauder die Situation herauszuzögern, in der die Ahnung zur Tatsache wird. Auch hier soll der Tod des jungen Soldaten am Ende damit relativiert werden, dass er schließlich für Freiheit und Demokratie gestorben sei.

Auch wenn jedes der kurzen Stücke eine für sich abgeschlossene Geschichte darstellt und von der Reihenfolge her austauschbar wäre, finden sich zwischen allen Mini-Dramen Handlungsparallelen und Schnittstellen.

„Freedom and Democracy“ hatte im Juni seine letzte Vorstellung auf der großen Bühne des BE. Eine Wiederaufnahme auf der Probebühne ist jedoch geplant.

Foto: Monika Rittershaus

Das BE-Sommerfest 2011 / "Einfach kompliziert"

2011-06-26T23:21:00.022+02:00

Die silbernen Schuhe von Corinna Kirchhoff hätte ich gerne gehabt (aber darin kann ich bestimmt nicht gehen). Das Kostüm von Stefan Kurth aus "Wintermärchen" geht für 10 Euro weg (nicht aufgepasst, als der Preis plötzlich so stark gesenkt wird - dafür hätte man zuschlagen sollen, selbst, wenn man das Kostüm gar nicht tragen kann). Und beim handbestickten Regenschirm bieten natürlich alle mit (der Preis schnellt in eine Höhe, die mein Budget übersteigt). Claus Peymann räumt wieder auf und versteigert auf dem Sommerfest des BE im Garten Requisiten, Kostüme uvm. aus dem Theaterfundus.

Eigentlich hätte er bis zum Beginn der Vorstellung des Bernhard-Stückes „Einfach kompliziert“ fertig werden sollen, aber da Peymann dazu neigt, ausführlich über sein Theaterleben und die Geschichte des BE zu philosophieren, dauert es eben länger. Peymann überzieht und das Publikum, das seit 19 Uhr im Theater sitzt, und Gert Voss hinter dem Vorhang müssen warten, bis draußen alles unter den Hammer gekommen ist. Als Peymann in den Zuschauerraum eilt, um die Verzögerung zu erklären, ruft eine Zuschauerin, dass er ja nicht auf die Bühne müsse. Diesen Zwischenruf ignoriert er. Es bleibt also unklar, warum die Vorstellung wegen der Versteigerung so spät beginnt.

Aber dann darf Voss ran und überzeugt als verschrobener alternder Schauspieler, der seinen Erinnerungen an die früheren Erfolge als Richard III. nachhängt. Mal lustig mal traurig gibt er Einblicke in sein Inneres. Voss spielt nicht nur mit Worten und Körper sondern vor allem auch mit seinem Gesicht. Er grimassiert sich durch das Stück und erzeugt so gleichermaßen Lachen und Mitleid beim Zuschauer. Voss, der diese Rolle in der Nachfolge von Bernhard Minetti spielt (für den Thomas Bernhard das Stück geschrieben hat), macht aus dem Stück sein eigenes Ding.

Als Ausgleich für die verlängerte Versteigerung fängt Peymann mit der Auslosung der Tombola einfach eine halbe Stunde früher als angekündigt an. Pech für die Zuschauer, die pünktlich kommen und verwirrt in Kauf nehmen müssen, dass sie ihren Preis vielleicht längst verpasst haben. Bei den Gewinnen lässt sich das BE allerdings nicht lumpen: Wahlabos, Meet & Greet mit Schauspielern, exklusive Theaterführungen und sogar ein original Brecht-Anzug. Gerne hätte ich das „Curryessen mit dem Intendanten des BE“ (ein Gespräch mit Peymann bei Konnopke) gewonnen. Es wäre bestimmt eine tolle Herausforderung gewesen, dabei zu Wort zu kommen.

Freunde der Schaubühne: Einführung in "Maß für Maß"

2011-06-15T23:57:00.015+02:00

Thomas Ostermeier (Regie), Marius von Mayenburg (Übersetzung) und Jan Pappelbaum (Bühne) gaben uns einen Einblick in die Arbeit an der Inszenierung „Maß für Maß“, die im September Premiere an der Schaubühne haben wird. Nachdem Ostermeier uns eine Einführung in die Handlung des Stückes gegeben hatte, erläuterte er die Wahl der Schauspieler/innen, u.a. Gert Voss, Lars Eidinger und Stefan Stern. Für die Wahl der weiblichen Hauptdarstellerin hat Ostermeier sich über 50 junge Schauspielerinnen angesehen und vorsprechen lassen. Er entschied sich für Jenny König, die Ensemblemitglied am Nationaltheater Mannheim ist. Die Problematik bei sehr jungen Schauspielerinnen, die gerade von der Schauspielschule kommen, sei, dass sie in klassischen Stücken, in denen es die Frauenfiguren in einer Männerwelt oft schwer haben, sich zu behaupten, versuchen, massiv gegen dieses Rollenbild anzuspielen. Dies führe häufig dazu, dass das Stück dann nicht mehr funktioniere, erklären Ostermeier und von Mayenburg. Ich kann die jungen Schauspielerinnen gut verstehen. Ich kann aber auch Ostermeier verstehen, der nach einer weiblichen Darstellerin gesucht hat, die die Ansprüche an die Rolle erfüllt und wie er sagt, dabei trotzdem ihre Würde behält. Ich bin gespannt, ob es funktioniert.

Genauso wie schon bei „Hamlet“ und „Othello“ hat Marius von Mayenburg auch dieses Shakespearestück neu übersetzt – und dabei natürlich eine bestimmte Lesart des Stückes wählen müssen. Wer sich die Mühe macht Shakespeares Stücke im Original zu lesen, weiß, dass von Mayenburg sicherlich keine leichte Aufgabe hatte, als er sich Satz für Satz durch Shakespeares Doppel- bzw. Mehrdeutigkeiten arbeiten musste. Bei den Schaubühnen-Inszenierungen von „Hamlet“ und „Othello“ hatte ich mehrere Aha-Erlebnisse, die mir im Studium oder bei anderen Inszenierungen leider oft verwehrt blieben, und ich habe beide Male das Theater mit dem Gefühl verlassen, neue Facetten des Stückes gesehen zu haben. Das stimmt mich zuversichtlich, dass mir der Zugang zu „Maß für Maß“, das ich bisher noch nicht von der Bühne kenne, leicht fallen wird.

Das Modell des Bühnenraums, der von Jan Pappelbaum komplett in Gold ausgestattet wurde, hat eine museale Anmutung, besonders im Modell für Salzburg (hier hat das Stück bereits im August Premiere). Ich versuche, mir vorzustellen, wie das später „in echt“ wirken wird und bin mir sicher, dass es ganz anders wird als wir es uns jetzt vorstellen können. Ich mag Inszenierungen, die mit wenig Requisiten und wenig Ausstattung auskommen, weil dann alles über die Schauspieler bzw. den Text funktionieren muss. Daher bin ich froh, dass Ostermeier und Pappelbaum ankündigen, dass sie diese für die „Maß für Maß“ Inszenierung bewusst reduzieren. Das sei bei Shakespeare übrigens auch so gewesen, erklärt Ostermeier.

Ich freue mich auf September, wenn das Stück an der Schaubühne läuft – und lasse mich gerne überraschen, ob dann alles so sein wird, wie ich es mir jetzt ausmale.

tt11: Das wars... leider!

2011-05-24T13:24:00.008+02:00

Kaum ist man so richtig in Theatertreffen-Stimmung, ist es auch schon wieder vorbei. Und jetzt heißt es leider wieder 50 Wochen warten bis zum nächsten. Das tt12 wird unter einer neuen Intendanz und neuer Direktion stattfinden. Wir dürfen gespannt sein, welche Neuerungen das bringt, welche Inszenierungen eingeladen werden und wie das Publikum und die Presse darauf reagieren.

Am vorletzten Tag, Sonntag, wurde - wie immer zum Abschluss - der Alfred Kerr Darstellerpreis verliehen. Jurorin Eva Mattes lobt die Leistung von Lina Beckmann in Das Werk/Im Bus/Ein Sturz und im Kirschgarten.

Direkt danach gabs die Abschlussdiskussion, in der sich die Jury den kritischen Fragen des Publikums stellen musste. Die Frage, die viele bewegete: Warum zwei Inszenierungen von Herbert Fritsch (Der Biberpelz und Nora) eingeladen wurden. Eine befriedigende Antwort gab es von der Jury leider nicht. Dafür Begründungen, warum bestimmte Produktionen nicht eingeladen wurden. Aber das kann ja auch interessant sein. Etwas ärgerlich waren einige Wortmeldungen aus dem Publikum, bei denen es schlicht darum ging, jetzt auch noch mal zu sagen, welches Stück man langweilig fand und welches einen nicht berührt habe. Nach der xten Wortmeldung dieser Art, war das dann doch etwas einseitig. Vor allem, weil die Kritisierenden kaum deutlich machten, was sie denn nun anders oder besser machen würden und welches denn die Kriterien für die Auswahl sein sollen. Wie so oft lief das dann mal wieder auf die Frage hinaus, welchen Sinn das Theatertreffen erfüllen soll. Dies zu beantworten ist m.E. unmöglich, denn da gibt es unzählige Ansichten und einen Konsens wird man hier schwer finden können.

Das Theatertreffen hat mir in diesem Jahr viel Spaß und mich um einige Theatererkenntnisse reicher gemacht. Aber ein Wermutstropfen bleibt wie immer: Als normal arbeitender und durchschnittlich verdienender Mensch, kann man es sich zeitlich und finanziell kaum leisten, alle eingeladenen Inszenierungen zu sehen. Schade! Man hat doch immer das Gefühl, etwas wichtiges verpasst zu haben und nicht überall mitreden zu können. Zwei Wochen Urlaub im Mai nächsten Jahres wären vielleicht eine Lösung. Und ich nehme mir mal wieder vor, jetzt schon mit dem Sparen für die Tickets anzufangen.

Um das Theatertreffen bis zur letzten Minute auskosten zu können, bin ich am späten Abend noch zum Konzert von Lisa Bassenge im Foyer der Berliner Festspiele gegangen. Was für eine herrliche Stimmung: Die Euphorie des (fast) letzten Abends. Überall wuseln die Schauspieler von Via Intolleranza II und andere bekannte Gesichter herum und im Garten tummeln sich die Theaterfans trotz Regens rund um das obligatorische Lagerfeuer.

Aber irgendwann muss dann auch mal Schluss sein. Also schnell raus aus dem Festspielhaus, nicht mehr rumdrehen, sonst wird man wehmütig, und sich aufs nächste Jahr freuen!

PS. Das Blogger/innen-Team hat dieses Jahr eine tolle Arbeit gemacht. Der tt11-Blog war in den letzten drei Wochen meine Haupt- und Lieblingslektüre. Weiter so und vielen Dank!

PPS. Das Logo des tt1 war genial! Besonders der Überraschungsefekt, wenn man es umdreht. Super Idee!

Bild: © Berliner Festspiele

tt11: Gedanken zu "Via Intolleranza II" von Christoph Schlingensief

2011-05-22T10:06:00.002+02:00

Christoph Schlingensief fehlt. Und dann ist er irgendwie doch da. In der Schlusszene von Via Intolleranza II sitzt er auf der Bühne - eine Filmprojektion. Und man glaubt - möchte glauben -, dass er da jetzt wirklich spricht. Afrika helfen, ohne zu manipulieren - geht das überhaupt? Helfen, ohne dabei den Gutmenschen in sich zu befriedigen. Um dieses Dilemma geht es im Stück. Ein Dilemma, dem sich Schlingensief selbst während seines Operndorf Projekts immer wieder bewusst wurde. Seine Zweifel werden im Stück gezeigt, in den Text gearbeitet. Und manchmal weiß man nicht, ist das jetzt Ironie oder war das so ("Es wurden schon 319 Euro für das Projekt an Spendengeldern gesammelt.") Als Zuschauer/in ertappt man sich dabei, wie man seine Reaktion überprüft: Darf man jetzt lachen oder nicht? Und an vielen Stellen im Stück: Wird da jetzt ein Afrika-Klischee gezeigt und überspitzt dargestellt, das man als gebildete/r Zuschauer/in natürlich durchschaut oder merkt man gar nicht, wie sehr man selbst, in die Klischee-Falle tappt? Veralbern die auf der Bühnen einen gar oder ist vieles ganz schön Ernst gemeint? Als einer der Schauspieler aus Burkina Faso nach dem Schlussapplaus versucht, das Publikum zum Mitsingen zu animieren, kommen nur ein paar verhaltene Töne zurück. Und einige peinlich berührte Lacher. Das ist nichts für das Theatertreffenpublikum - da ist es wieder das Dilemma.

"Das Operndorf Afrika soll Produktions- und Lebensbedingungen schaffen, durch die in einem der finanziell ärmsten Länder der Welt Ausbildung, Austausch und Kunstproduktion möglich werden. [...] Das Operndorf soll ein eigenständiger Organismus sein, der dann wächst, wann er es will, der aus sich selbst heraus seine Eigenarten entwickelt und unwahrscheinliche Konstellationen erzeugt." ( aus: Programmheft "Via Intolleranza II")

Weitere Infos und Spendenmöglichkeiten hier!

Foto: Aino Laberenz

tt11: Stückemarkt Preisverleihung

2011-05-20T11:35:00.004+02:00

Die Gewinner/innen des Stückemarkts stehen fest. Den Förderpreis der neuen Dramatik erhält Juri Sternburg ("der penner ist jetzt schon wieder woanders"). Den Werkauftrag erhält Anne Lepper ("Hund wohin gehn wir") und mit dem Hörspielpreis wurde Mario Salzar ("Alles Gold was glänzt") ausgezeichnet. Herzlichen Glückwunsch!

Hier ist das Interview, das die tt11-Blogger/innen mit den drei Autor/innen führten, nachzulesen - sehr amüsant!

Das besondere am Stückemarkt bzw. den szenischen Lesungen der neuen Texte ist aus meiner Sicht das Rohe und noch nicht Eingeordnete. Bei der Lesung von "Brachland" (Dimitrij Gawrisch), die ich zu Beginn des Stückemarkts sah, ging mit der Technik einiges schief und die Schauspieler verpassten hier und da ihre Einsätze. Das verzeiht man ihnen aber gern, weil es zeigt, dass der Text noch nicht in eine fertige Inszenierung gepackt ist und noch ganz viel Spielraum für Interpretation und Umsetzungsmöglichkeiten lässt.

tt11: "Verrücktes Blut" von Nurkan Erpulat

2011-05-14T00:02:00.014+02:00

Schiller in Kreuzberg mit sieben Schüler/innen arabischer und türkischer Herkunft. Die Lehrerin kämpft zunächst einen aussichtslosen Kampf: An die Umsetzung des Sturm-und-Drang Stücks "Die Räuber" mit den Jugendlichen ist nicht zu denken, denn sie schafft es zunächst kaum, sie zu einem respektvollen Umgang miteinander und ihr gegenbüber zu bewegen. Dabei ist "Respekt" ein Begriff, der den Protagonisten zwar leicht und häufig über die Lippen geht, deswegen aber keinesfalls praktiziert wird.

Als ihr eine geladene Pistole aus dem Rucksack eines Schüler in die Hände fällt, übernimmt sie die Regie. Zunächst noch unsicher und zitternd entwickelt sie sich im Laufe des Stücks zu einer kompromislosen Bestimmerin über die Handlungen der Jugendlichen. Mit Drohungen und Gewalt erzwingt sie Dialoge aus "Die Räuber" und "Kabale und Liebe", die sich im Laufe des Spiels verselbständigen. Plötzlich verschwimmen die Realität der jungen Schauspieler mit der Handlung bzw. den Texten der Dramen. Die Lehrerin will die Schülerin mit Kopftuch dazu bringen, sich aus ihrer Rolle der unterdrückten Muslima zu befreien, fordert von dem Jungen kurdischer Herkunft endlich selbstbewusst zu sein und sich gegen seine Peiniger zu wehren und bringt den Macho, der die anderen unterdrückt dazu, sich mit heruntergelassener Hose zu unterwerfen.

Während die Lehrerin zunehmend aggressiver versucht, die Schüler/innen dazu zu bewegen, über ihre Handlungen und ihre Attitüden zu reflektieren, kippen die Reaktionen dieser: Plötzlich fordern sie Toleranz und eine zweite Chance für den Schurken - sie schreien nach den Werten der Aufklärung, die ursprünglich auf dem Lerhplan standen.

Irgendwann gelangt das Mädchen mit Kopftuch in den Besitz der Waffe und hat zum ersten mal die Chance, den jungen Männern zu sagen, wo es lang geht. Sie nimmt ihr Kopftuch ab, kann aber mit der neuen Situation nicht umgehen. Sie verliert die Kontrolle über ihr Tun. Ist die Forderung der Lehrerin nach mehr Emanzipation muslimischer Mädchen zu naiv, zu schnell? Sind ihr die Konsequenzen bewusst? Und so wird jeder Befreiungsschlag der Schüler/innen sofort wieder in Frage gestellt...

Am Schluss wird klar: Es ist alles bloß Theater. Doch einer - der schüchterne kurdische Junge, der während der ungewöhnlichen Probe, den Franz Moor spielen musste - nimmt seine Rolle allzu ernst und kann das Spiel nicht beenden. Auch dann nicht als alle alle ihn beschwören, jetzt aufzuhören.

Trotz des ernsten Themas und der Brutalität und Rücksichtslosigkeit, die hier inszeniert wird, erlaubt das Stück den Zuschauer/innen immer wieder aberwitzige Momente und Lacher, die einem freilich in der nächsten Sekunde wieder im Halse stecken bleiben.

Verrücktes Blut
Ballhaus Naunynstraße, Berlin / Ruhrtriennale
von Nurkan Erpulat und Jens Hillje

Mit Sesede Terziyan und Nora Rim Abdel-Maksoud, Erol Afşin, Emre Aksızoğlu, Tamer Arslan, Sohel Altan G., Rahel Johanna Jankowski, Gregor Löbel

Uraufführung 02. September 2010, Gebläsehalle, Duisburg
Premiere 09. September 2010, Ballhaus Naunynstraße, Berlin

Termine beim Theatertreffen 2011:
11./12./13./14. Mai 2011, 20 Uhr

Weitere Infos zum Stück.

Foto: Ute Lankafel

tt11: Theaterpreis Berlin 2011 für die Gotscheff-Familie

2011-05-08T22:02:00.013+02:00

Wo Thilo ist, will Dimiter Gotscheff wissen, nachdem er den Theaterpreis gemeinsam mit seinen Schauspieler/innen Almut Zilcher, Wolfram Koch und Samuel Finzi entgegen genommen hat. Er habe Sarrazin persönlich eingeladen, er sei wohl nicht da. Er habe ihm zeigen wollen, wie es ist, wenn "vier Gaukler mit Migrationshintergrund" in Deutschland einen Preis erhalten. Die "Gaukler" kommen aus Bulgarien (Gotscheff und Finzi), Koch wuchs in Frankreich auf und Zilcher ist ein "armes Flüchtlingskind" aus Österreich.

Auch in Samuel Finzis Dankesrede geht es um Herkunft: Er könne noch immer nicht Deutsch sprechen, aber da er ja Schauspieler sei, würde er einfach so tun, als könne er es. Er hoffe, als Schauspieler mit Migrationshintergrund nach dem Erhalt des Theaterpreises den ersten Teil dieses Wortes streichen zu können - vielleicht irgendwann mal nur noch den letzten Teil zu benötigen: Schauspieler mit Grund.

Wolfram Koch, der es wie Luther halten möchte ("Tritt fest auf, machs Maul auf, hör bald auf."), erzählt eine bezaubernde Anekdote über einen Kindertheaterbesuch mit seinem 5jährigen Sohn.

Almut Zilcher erklärt in Anlehnung an ihre Rolle aus Ritter, Dene, Voss, wie es ist, in der Gotscheff-Familie zu leben und zu spielen. Und als Zuschauer/in wird einem nach der fast 2,5stündigen Preisverleihung wieder einmal klar, auf der Bühne sehen wir doch die am liebsten, die da auch hingehören: Schauspieler.

Das beweist nicht zuletzt auch der moderierende Peter Jordan, indem er die Patzer in der Technik durch spontane Improvisationen rettet. Überhaupt können die Zuschauer/innen dank seiner Auftritte immer wieder zwischen den zahlreichen Redebeiträgen kurz durchatmen und entspannt lachen.

Noch nie ging der Theaterpreis an ein verköpfiges Team. Die Schauspieler beflügeln den Regisseur und umgekehrt heißt es in der Jurybegründung. Und das ist der Grund, warum Gotscheff sich den Preis mit drei Mitgliedern seine Familie teilen darf. Dazu passt das Foto auf dem Programm zur Preisverleihung: Koch und Finzi sitzen auf Zilchers und Gotscheffs Schoß - ein ungewöhnliches, aber wunderschönes Motiv.

Herzlichen Glückwunsch an die Preisträger/innen und danke dafür, immer noch mehr Lust aufs Theater zu bekommen!

tt11 Pressekonferenz (3. Mai 2011)

2011-05-03T16:31:00.004+02:00

Wer wissen möchte, welche Themen die Teilnehmer/innen der heutigen tt11 Pressekonferenz bewegten, kann dies im Live-Blogging des tt-Blog nachlesen.

Iris Laufenberg, Leiterin des Theatertreffens, sagt während der PK übrigens: "Das Theatertreffen ist ein Festival für das Publikum, nicht für die Elite." ---- Ehrlicherweise müsste man allerdings dazu sagen, dass es sich beim tt-Publikum um ein sehr spezielles handelt. Es wäre wünschenswert, dass sich beide Seiten einander stärker öffnen.

Kein Blick hinter die Maske: "Im Dickicht der Städte" (BE) - Gastblog

2011-04-26T23:43:00.012+02:00

Mit TheaterBlick Gastbloggerin Anna habe ich "Im Dickicht der Städte" (Inszenierung: Katharina Thalbach) im BE besucht. Ihre Eindrücke zum Stück beschreibt sie wie folgt:

Ein mir völlig unbekanntes Brechtstück, das ich gefühlsmässig zwischen NYC, Bukarest und Kolumbien ansiedeln würde - ohne auch nur eins davon zu kennen. Es vereint alle Abgründe dieser Welt und schmilzt alles zusammen in einen dicken Klumpen Ziel- und Sinnlosigkeit, die täglich vor der Tür lauert. Dabei haben die Schauspieler aber so entrückend und - eben maskiert - gespielt, dass kaum eine Identifikationsmöglichkeit bestand, auch wenn eigentlich alle menschlichen Eigenschaften und Abgründe gleichzeitig bedrohlich nahe waren. Eine Mischung aus bekannten, vielleicht auch verdrängten Gefühlen, dem Geschmack von mittelmäßigem Magazinjounalismus, den man sich voyeuristisch reinzieht und der irgendwie kleben bleibt und alltäglichem realistischem Wahnsinn. Und weil niemand da so wirklich durchblickt, klopft man einfach mal bei jemandem an, der meint noch Ideale zu haben, um ihn über einer vermeintlichen Ziellinie zu brechen. So schnell kann das gehen....

Ich möchte dem noch folgendes hinzufügen:
Möglicherweise werde ich zukünftig bei dem Wort "Absinth" sofort an ein flirrendes grün-gelbes Licht denken müssen. Dieser Effekt wurde in der Inszenierung eingesetzt, um den "Genuss" ebenjenes Getränks zu visualisieren.

Foto: Barbara Braun

3. Lange Nacht der Opern und Theater: Es wird immer besser!

2011-04-17T23:46:00.006+02:00

Alle guten Dinge sind drei: Sie wird immer besser - die Lange Nacht der Opern und Theater. Und ich kann an dieser Stelle den Verantstaltern ein großes Lob dafür aussprechen, dass sie kräftig daran arbeiten, es den Theater- und Opernfans immer angenehmer zu machen. Der dritte Anlauf dieser tollen Veranstaltung war aus meiner Sicht gelungener als in den beiden Jahren zuvor.

Dieses Jahr haben wir uns in keiner Minute gehetzt oder unter Zeitdruck gefühlt und konnten uns stets gut gelaunt an den von uns ausgewählten Orten sogar noch etwas entspannen (v.a. auf den Polstermöbel in der Box & Bar des DT). Entspannt verlief es für uns zwar auch dank unseres durchdachten Ablaufplans - auch wir haben ja schon zwei Jahre Übung - aber auch wegen der besseren Abwicklung durch die Veranstalter.

Als wir nach der ersten Station (Maxim-Gorki-Theater, Penthesilea) in den Lange-Nacht-Bus stiegen wurden, wir von der Freundlichkeit des Busfahrers überrascht, der, ohne seine gute Laune zu verlieren, darum bat, doch die Lichtschranke an den Türen frei zu halten. Der freundliche Herr war dann gar nicht der Fahrer (wäre auch befremdlich in Berlin), sondern einer der Lange-Nacht-Guides, die auch spät um 23.30 Uhr, als wir unsere letzte Fahrt antraten, noch immer serviceorientiert und munter waren. So macht das Spaß!

Vor der Volksbühen und dem DT waren dankenswerter Weise Würstchenbuden und Getränkestände aufgebaut, was zum Verweilen einlud. Deswegen und weil Stefan Kaminski (wie zu erwarten) unser Highlight des Abends war, sind wir am DT einfach etwas länger geblieben als geplant - und haben uns zwei Teile seines Live-Hörspiels Es kam von oben angeschaut/-hört. Davon kann man einfach nicht genug bekommen! Die 12 letzten Lieder von und mit Nicolas Stemann sowie Maria Schrader, Margit Bendokat u.a., von denen wir immerhin vier im Ausschnitt des Stückes dargeboten bekamen, luden sogar zum Mitsingen ein und dazu, die Liste der Dinge, die man unbedingt auf Berlins Bühnen noch sehen muss, um eines zu erweitern.

Sogar die Abschlussparty in der Volksbühne war besser als 2010. Die Musikauswahl lockte die Menschen schneller auf die Tanzfläche als im Vorjahr und sorgte dafür, dass sie da auch blieben. Auch der Einlass, der einen im letzten Jahr noch Nerven und viel Geduld gekostet hatte, ging vollkommen unkompliziert vonstatten. Die Securitys, die 2010 noch unangenehm überengagiert waren, hatten in diesem Jahr einen leichten Job.

Über eine persönliche Errungenschaft, die allerdings nicht nur während der langen Nacht zu erwerben ist, habe ich mich besonders gefreut: Ich liebe "Theater-Devotionalien" wie Bleistifte (DT), Streichholzschachteln (Volksbühne), Pfefferminzdöschen (Berliner Festspiele) usw. Das Deutsche Theater verkauft z.Zt. Taschen, die aus der Plane gefertigt werden, die während der Umbauarbeiten vor dem Haus angebracht war. Darauf zu sehen, waren Szenenfotos des laufenden Spielplans. Die Taschen, die aus dieser Plane genäht wurden, sind dementsprechend alles Einzelstücke. Wer Interesse an einer solchen hat, sollte schnell zuschlagen, denn die Auflage ist auf 100 Stück begrenzt. Auf meiner Tasche ist übrigens ein kleiner "Ausschnitt" aus Herz der Finsternis zu sehen, das ich 2010 am DT gesehen habe.

tt11: Es gibt noch Tickets!

2011-04-14T11:36:00.004+02:00

Wer schon mal versucht hat, Tickets für das Theatertreffen zu bekommen, ist sicherlich auch schon mal enttäuscht worden. Die Stücke, die man gerne sehen will, sind oft ganz schnell ausverkauft. Manchmal bleiben dann nur noch die teuren Karten für über 50 Euro.

Im Moment gibt es tatsächlich noch einige wenige Restkarten, z.B. für:
Nora, Die Beteiligten, Der Kirschgarten, Via Intolleranza II und ein paar Sachen vom Stückemarkt.
Am besten über den Webshop der Berliner Festspiele bestellen.

3. Lange Nacht der Opern und Theater (16. April 2011)

2011-04-12T00:26:00.008+02:00

Vorschlag für den zeitlichen Ablauf:

19 bis 19.30 Uhr: Maxim-Gorki-Theater: Penthesilea

20 bis 20.30 Uhr: Deutsches Theater: Aufhören! Schluss jetzt! 12 letzte Lieder

20.30 bis 21.15 Uhr: ...ein Drink und/oder Snack in der Bar des DT...

21.30 bis 22 Uhr: Deutsches Theater: Kaminski on air

23 bis 23.30 Uhr: Volksbühne: hamletX

ab 24 Uhr: Abschlussparty in der Volksbühne (alternativ: Theaterhaus Mitte)

Infos im Detail:

Maxim-Gorki-Theater (Am Festungsgraben)
19.00 + 20.00 Uhr Penthesilea
Ausschnitt aus dem Drama von Heinrich von Kleist
Regie: Felicitas Brucker
Nach dem Gesetz ihres Frauenstaates müssen die Amazonen sich ihre Männer im Kampf erobern und als Gefangene in die Hauptstadt führen.
Mein Kommentar: Penthesilea gilt als schwer inszenierbar – insofern eine Herausforderung! Außerdem: Frauenstaat, Hauptstadt, Amazonen: Mädels, unser Stück, oder?! (Kleist ist eh toll!)

Deutsches Theater (Schuhmannstraße)
19.00-22.00 Uhr (immer zur vollen Stunde)
Aufhören! Schluss jetzt! Lauter! 12 letzte Lieder
Ein musikalischer Abend über Rücktritte, ewige Abschiedstourneen, Protestkultur und »Wutbürger«, moderiert von Regisseur Nicolas Stemann
mit Margit Bendokat, Andreas Döhler, Felix Goeser, Barbara Heynen, Maria Schrader u.a.
Mein Kommentar: Wenn das nicht passt für dieses Jahr! Außerdem: Margit Bendokat ist Preisträgerin des Theaterpreises 2010.

19.30-22.30 Uhr (immer zur halben Stunde)
Kaminski on air: Es kam von oben
Ein ScienceFiction-Live-Hörspiel
mit Sebastian Hilken, Stefan Brandenburg, und Stefan Kaminski in sämtlichen Rollen, vom Sheriff über die Außerirdischen bis zur zuschlagenden Autotür.
Mein Kommentar: Wer Kaminski noch nicht kennt, hat was verpasst!. Außerdem: Taschentücher mitnehmen – wegen der Lach-Tränen!

Volksbühne (Rosa-Luxemburg-Platz)
unveröffentlichte Szenen aus dem Filmprojekt hamletX
Mein Kommentar: Mit "the one and only" Martin Wuttke! Außerdem: Sophie Rois, Volker Spengler, Milan Peschel u.a.

Theatertreffen 2011 (tt11): Die Auswahl

2011-03-31T00:37:00.008+02:00

Im Mai werden beim tt11 in Berlin die zehn bemerkenswertesten deutschsprachigen Inszenierungen der vergangenen Saison präsentiert:

Die Beteiligten von Kathrin Röggla
Regie: Stefan Bachmann (Burgtheater, Wien)

Der Biberpelz von Gerhart Hauptmann
Regie: Herbert Fritsch (Mecklenburgisches Staatstheater Schwerin)

Don Carlos von Friedrich Schiller
Regie: Roger Vontobel (Staatsschauspiel Dresden)

Der Kirschgarten von Anton Tschechow
Regie: Karin Henkel (Schauspiel Köln)

Nora oder Ein Puppenhaus von Henrik Ibsen
Regie: Herbert Fritsch (Theater Oberhausen)

Testament von She She Pop
Hebbel am Ufer, Berlin / Kampnagel, Hamburg / FFT, Düsseldorf

Tod eines Handlungsreisenden von Arthur Miller
Regie: Stefan Pucher (Schauspielhaus Zürich)

Verrücktes Blut von Nurkan Erpulat und Jens Hillje
Regie: Nurkan Erpulat (Ballhaus Naunynstraße, Berlin / Ruhrtriennale)

Via Intolleranza II von Christoph Schlingensief
Eine Produktion der Festspielhaus Afrika gGmbH in Koproduktion mit Kampnagel Hamburg, dem Kunstenfestivaldesarts Brüssel und der Bayerischen Staatsoper München. In Kooperation mit dem Burgtheater Wien, Impulstanz und den Wiener Festwochen.

Das Werk / Im Bus / Ein Sturz von Elfriede Jelinek
Regie: Karin Beier (Schauspiel Köln)

Weitere Infos auf der Seite der Berliner Festspiele.

Bild: © Berliner Festspiele

Vor und hinter der vierten Wand: "Schmeiß dein Ego weg" (Volksbühne)

2011-03-23T23:54:00.012+01:00

Ein Chor, keine stringente Handlung, hinter der Bühne wird gefilmt und Martin Wuttke in der Hauptrolle. Welcome to Pollesch! In "Schmeiss dein Ego weg!" an der Volksbühne mit Margit Carstensen und Christine Groß (die man ebenfalls aus René Polleschs Stücken kennt) geht es um die Frage, was die Seele ist. Kann sie getrennt vom Körper gesehen werden? Oder ist sie Teil des Äußerlichen? ("Reden Sie doch nicht immer von inneren Werte! Sehen Sie sich einen Geldschein an! Da sieht jeder nur den inneren Wert und nicht, was an ihm äußerlich ist, das Material, das Papier, auf das es gedruckt ist.") Und es geht um die vierte Wand auf der Theaterbühne, hinter der ein weiterer Raum offen gelegt, in dem gespielt und gefilmt wird. Eigentlich könnte das Spiel hinter und das auf der Bühne auch umgedreht werden, da es sich bei dem Raum um ein vollständig eingerichtetes Wohnzimmer handelt. Wuttke hebt sich gegen die beiden um Contenace bemühten weiblichen Figuren durch sein energisches Spiel ab. Er veraussgabt sich - so kennen wir ihn -, verzweifelt und bäumt sich auf, um zu erklären, was für ihn von Bedeutung ist und was für ihn Liebe ist. "Schmeiß dein Ego weg!" ist ein einstündiges Suchen und Nicht-Finden voller Humor und mit tollen Schauspieler/innen.

"Noli me tangere" mit einer Prise Shakespeare (F.I.N.D. / Schaubühne)

2011-03-05T22:38:00.006+01:00

"Noli me tangere" (Rühr mich nicht an) sagt Jesus Christus zu Maria Magdalena nach seiner Auferstehung im Evangelium des Johannes. Im gleichnamigen Stück von Jean-François Sivadier wird die Geschichte vom Tod Johannes des Täufers neu erzählt. Die Inszenierung des Théâtre National de Bretagne, Rennes/Frankreich ist zur Zeit im Rahmen des F.I.N.D. (Festival of International New Drama) an der Schaubühne zu Gast.

Ein knapp dreistündiges Stück (ohne Pause) in französischer Sprache mit deutschen Obertiteln ist keine leichte Kost - vor allem bei der Fülle der Motive und Anleihen aus Geschichte und Literatur. An vielen Stellen lässt Shakespeare grüßen. Etwa als eine Laiendarstellertruppe ein Stück einstudiert und Schauspieler Jean sich als "Nachfahre" von Nick Bottom entpuppt. Außerdem findet sich eine gute Prise Hamlet in dem Stück. Dies entgeht auch dem Engel nicht ("Ist das nicht die Geschichte über den Prinzen von Dänemark?"), der bei seinen Auftritten auf eine gute Performance setzt, Glitzer vertreut und als eine Art Moderator das Publikum mit viel Witz immer wieder ab und auf den Boden bzw. zurück in die Realität des Theatersaals holt ("In welchem Land bin ich hier?" - "Deutschland." - "Hab ich noch nie von gehört.") Überhaupt wird die Handlung immer wieder vom Spiel im Spiel und Zwischenspiel durchbrochen. Zudem spielen fast alle Schauspieler mehrere Rollen, so dass die verschiedenen Ebenen des Stückes sich immer wieder aufeinander beziehen.

Im Laufe des Abends durchlebt der Zuschauer gemeinsam mit den Figuren des Stückes die gesamte Riege der Emotionen: Das Stück wechselt temporeich zwischen Spaß, Wut, Entsetzen, Spannung...

Ritter, Dene, Voss = Becker, Zilcher, Matthes (Deutsches Theater)

2011-02-11T08:58:00.004+01:00

Mit dem Titel seines Stückes über die Hassliebe dreier Geschwister setzte Thomas Bernhard den Schauspieler/innen Ilse Ritter, Kirsten Dene und Gert Voss ein literarisches Denkmal und gab gleichzeitig die Besetzung der Uraufführung (1986) vor. Claus Peymann inszenierte das Stück bei den Salzburger Festspielen und brachte es 2004 am BE in der Originalbesetzung erneut auf die Bühne. Ritter, Dene und Voss gehören zu den größten Darstellern im deutschsprachigen Raum und Bernhard hat ihnen mit seinem Stück einen Platz im Repertoire von Theatermachern und -besuchern gegeben, der unauslöschlich ist.

Was passiert, wenn ein anderes großes deutschprachiges Theater Bernhards legendäres Stück in den Spielplan nimmt - ohne die Urbesetzung? Es wählt drei seiner besten Schauspieler/innen aus. Ritter, Dene, Voss hatte im Oktober 2008 am Deutschen Theater Premiere. Für seine Inszenierung entschied sich der damalige Intendant des DT Oliver Reese für Constanze Becker (=Ritter, die jüngere Schwester), Almut Zilcher (=Dene, die ältere Schwester) und Ulrich Matthes (=Voss/Ludwig). Becker und Matthes waren im Premierenjahr Schauspieler/in des Jahres, Zilcher erhielt diese Auszeichnung bereits 1992.

Die Rechnung geht auf, denn Ritter, Dene, Voss am DT ist ein Fest für die großartigen Schauspieler/innen Becker, Zilcher, Matthes, die in dieser Inszenierung ihr Können voll und ganz entfalten können. Und einmal mehr ist man als Zuschauer froh, solche tollen Darsteller hier in Berlin zu haben. Gestern war die letzte Vorstellung des Stücks am Deutschen Theater, aber zum Glück dürfen wir uns über die Schauspieler/innen noch in vielen anderen Inszenierungen an dieser (und anderen) Bühne(n) freuen.

Buchtipp: Ende der Vorstellung (Margarita Broich)

2011-01-31T07:46:00.001+01:00

Die Schauspielerin und Fotokünstlerin Margarita Broich zeigt in ihrem Bildband Ende der Vorstellung Portraits von 45 Schauspielern und Schauspielerinnen. Das Besondere an ihren Bildern: Sie fotografierte ihre Kollegen nicht während des Spiels auf der Bühne oder in privaten Situationen, sondern unmittelbar nach dem Auftritt in der Garderobe, auf dem Gang oder in der Kantine. Die Gesichter der Schauspieler spiegeln dabei Erschöpfung, Gelöstheit oder Zufriedenheit wieder. Am Ende der Vorstellung werden die Masken entfernt, das Make-up ist verwischt und die Kostüme werden abgelegt.

Dieses Buch ist ein wunderbarer Blick hinter die Kulissen und in die Gesichter derer, deren Leistung man nicht hoch genug bewerten kann: Schauspieler.

Ende der Vorstellung ist im Müry Salzmann Verlag erschienen.

Lieblingsstücke 2010

2011-01-07T01:50:00.000+01:00

Ich werde oft von Freunden gefragt, was man sich in Berlin denn mal im Theater "so anschauen" könnte und was ich empfehle. Darauf kann ich nur schwer die richtige Antwort geben, weil Geschmäcker ja bekanntlich verschieden sind.
Ich versuche es hier aber mal mit einer Top-5-Liste der Stücke, die ich in 2010 gesehen habe:

Shakespeares Sonette (Berliner Ensemble)
Othello (Schaubühne)
Woyzeck (Deutsches Theater)
Das Prinzip Meese (Maxim Gorki Theater)
Die Dreigroschenoper (Berliner Ensemble)

WaitsWilsonWoyzeck: "Woyzeck" (Deutsches Theater)

2010-12-26T23:54:00.003+01:00

Es handelt sich mal wieder um eine Kooperation des genialen Robert Wilson, der das Konzept für diese Woyzeck-Version entwarf, mit dem noch genialeren Tom Waits. Die Songs von Waits, stark gesungen von den Darstellern, gehen - wie immer, wenn er Musik fürs Theater komponiert - direkt in den Kopf und Körper und bleiben da. Mein Lieblingslied des Abends "All the world is green", ein Duett von Woyzeck (Moritz Grove) und Marie (Claudia Renner, die die erkrankte Maren Eggert großartig vertreten hat). Wenn Frauen die Theatersongs von Waits singen, gefallen sie mir fast noch ein bisschen besser als vom großen Meister selbst.

Auf der trichterartigen Bühne in den Kammerspielen des Deutschen Theaters rennen, rutschen und rollen die Figuren des Büchner-Stückes (Regie: Jorinde Dröse) um ihr Leben. Der Tambourmajor wird von Christoph Franken als wunderbare Karikatur eines aufgeblasenen, selbstherrlichen, rücksichtslosen Menschen gespielt. Der Hauptmann und der Doktor erscheinen wie Figuren aus dem Zirkus.

Der Abend hat viel von einem Musical - allerdings ohne Zuckerguss und Happy End.

Dankesbrief an Georgette Dee: "Lieben Sie Brahms?" (BE)

2010-11-20T01:59:00.002+01:00

Liebe Georgette Dee,

danke für einen wunderbaren Abend! Von Deinen Geschichten konnte ich nicht genug bekommen. Von Deiner Musik sowieso nicht. Die eine oder andere Träne habe ich vergossen: vor Lachen und vor Rührung. Besonders habe ich mich über viele Stationen Deiner (Lebens-)Geschichte(n) gefreut, die auch Stationen in meinem Leben waren. (Ich plane, sehr bald einmal wieder in den Odenwald zu fahren, um dort Hirschgulasch zu essen.) Der gesamte Abend war wie ein langes Lied - eins hat sich zum anderen gefügt und ich bewundere Deine Fähigkeit zu erzählen, so dass viele lebendige Bilder entstehen. Bilder, die ich gerne mit nach Hause genommen habe. Das ist "Kunscht"! Gerne hätte ich Dir noch weitere drei Stunden zugehört, aber so muss ich einfach wieder kommen, wenn du auf dieser oder einer anderen Bühne stehst. Darauf freue ich mich!

Alles Gute, Deine Maren

Foto: Lesley Leslie-Spinks

Flaschenbier und Nagellack: "Jacke wie Hose" (BE)

2010-11-10T03:03:00.002+01:00

In Jacke und Hose mit Hut kommt sie auf die Bühne: Svetlana Schönfeld als Max (Ella) Gericke in „Jacke wie Hose“ von Manfred Karge. Der raubeinige Kerl, den sie darstellt, raucht, trinkt und lackiert sich die Fingernägel. Und sie erzählt ihre Geschichte bzw. die ihres früh verstorbenen Mannes. Dabei wechselt sie die Tonlage und Stimmung je nach „Rolle“ und versucht, sich dabei immer mehr in eine Frau zu verwandeln – mit Kleid, hohen Schuhe und Lippenstift. Die Zuschauer erfahren, dass sie, um ihre Existenz zu sichern, in die Hose/Rolle ihres Mannes schlüpfen und dabei ihre Weiblichkeit ein Leben lang verneinen musste. Auch wenn sie fröhlich singt ("Puppchen, mein Puppchen!"), spürt man die Melancholie, die sie umgibt. Ella/Max hat ihre Rolle gut gespielt – zu gut. Denn: Sie ist nach der langen Zeit in Hosen unfähig Frau zu sein. Unbeholfen sind ihre Gehversuche in den hohen Schuhen und der Eierlikör will einfach nicht schmecken.

„Jacke wie Hose“ am BE ist eine Geschlechterstudie, in der Rollenbilder, die gesellschaftlichen Vorgaben unterworfen werden, kritisch hinterfragt werden. Eine Frau muss ihre Persönlichkeit negieren, um in einer patriarchalisch geprägten Welt zu überleben.

Svetlana Schönfeld spielt Ella-Max virtuos und schafft es die Zerrissenheit der Figur überzeugend darzustellen. Diese Schauspielerin, die den gut einstündigen Monolog mühelos meistert, muss man einfach mögen.

Foto: Barbara Braun

Die Bühne ist die Welt: Die Entdeckung des Himmels

2010-11-01T00:17:00.001+01:00

Harry Mulisch, Autor zahlreicher Romane, Novellen Essays, Dramen, Opernlibretti und Gedichte, ist am Samstag im Alter von 83 Jahren gestorben. Sein umfangreiches Werk war stark durch die Erinnerung an den Nationalsozialismus und den Zweiten Weltkrieg geprägt und fand Leser in aller Welt. Einige seiner Bücher wurden in mehr als 30 Sprachen übersetzt. Jahrelang galt Mulisch als Anwärter auf den Literaturnobelpreis.

Für mich gehört "Die Entdeckung des Himmels" zu den beindruckendsten Werken der Literatur überhaupt. Ich verschenke dieses - mein Lieblingsbuch - immer wieder an Menschen, die mir wichtig sind und von denen ich sicher bin, dass sie es ebenso schätzen werden wie ich. In dieser Geschichte um eine Freundschaft, die über vier Jahrzehnte verfolgt wird, geht es um Politik, Musik, Literatur, Religion, Architektur, Kunst, Naturwissenschaften, Astrologie uvm. Harry Mulisch hat in diesem Roman die Welt zu einer Bühne gemacht, auf der nicht nur die beiden "Spielleiter" im Himmel Regie führen, sondern auch die kluge weibliche Hauptfigur (Ada) - und zwar mehr als die Männer des Romans ahnen.

Wer "Die Entdeckung des Himmels" liest, lernt und lernt und lernt. Und ist nach der Lektüre nicht nur an Wissen sondern auch an Erkenntnis für das eigene Leben reicher. Dieses Buch ist eine große geistige Bereicherung.

MordArt - ein improvisierter Krimispaß von Paternoster

2010-09-30T00:36:00.000+02:00

Im BKA-Theater am Mehringdamm bleibt es spannend!

Der Herbst steht unwiderruflich vor der Tür. Die Tage werden kürzer, die Nächte kälter und Schauerliches geht vor sich: Ein geheimnisvoller Mörder treibt sein Unwesen. Zuletzt gesichtet wurde er im BKA-Theater am Mehringdamm…

Wenn die Schauspieler vom Paternoster-Team den Täter jagen, greift das Publikum ins Geschehen ein. In diesem packenden Krimi entscheiden die Zuschauer über den Verlauf der Handlung mit, indem sie den Darstellern Vorgaben für alle Szenen und Rollen geben. Da bei diesem schaurig-komischen Krimierlebnis alles improvisiert ist, bleibt es bis zum Schluss spannend. Sind alle Zeugen glaubhaft? Wer versucht, etwas zu vertuschen? Warum stiftet ein bisher Unverdächtiger plötzlich Verwirrung? Und kaum ist ein Geheimnis gelöst, nimmt die Handlung einen neuen Verlauf. Bis zur letzten Szene bleibt eines offen: Wer ist der Mörder?

Eintritt:
19/14/10,- € im Vorverkauf
21/16/12,- € an der Abendkasse
(Der Vorverkauf gilt bis einen Tag vor der Veranstaltung. Am Spieltag gelten die Abendkassenpreise. )

Termine in 2010:
Donnerstag, 07. Oktober 2010 um 20:00 Uhr
Donnerstag, 04. November 2010 um 20:00 Uhr
Donnerstag, 02. Dezember 2010 um 20:00 Uhr
Einlass jeweils ab 19:00 Uhr

Weitere Informationen und Gutscheine unter 030 - 69 00 14 11 oder www.improtheater-paternoster.de.

Kartenbestellungen unter 030 - 20 22 007 oder www.bka-theater.de.

Foto: Paternoster

Christoph Schlingensief: Erinnern braucht manchmal keine Worte

2010-09-01T02:18:00.001+02:00

Gestern fand die letzte Veranstaltung der Temporären Kunsthalle Berlin statt: Ein Vortrag von Künstler und Kurator John Bock, der die Arbeiten der Installation „FischGrätenMelkStand“ erläuterte. Ein Teil der Arbeiten stammte von Christoph Schlingensief. Das Publikum, gerade noch fröhlich und amüsiert über die Ausführungen von John Bock, hielt inne als die Arbeiten von Schlingensief und Bilder des Opernhauses in Afrika gezeigt wurden. Jeder im Raum wartete darauf, was John Bock über den Tod seines Freundes Christoph Schlingensief sagen würde. Er tat das einzig Richtige: Er ersparte sich jeglichen Kommentar und ließ ganz einfach die Bilder wirken. In den letzten Tagen ist sicherlich alles über Schlingensief, seine künstlerische Arbeit, seine Krankheit und sein Sterben gesagt worden. Da ist es unnötig, bei einer solchen Veranstaltung noch einmal große Worte zu schwingen. Durch sein Schweigen hat John Bock jedem die Möglichkeit gegeben, für sich selbst zu entscheiden, ob und wie er sich in diesem Moment an Christoph Schlingensief erinnern möchte. Manchmal ist es eben auch gut, etwas ohne Worte auszudrücken.

Die Besten auf der Bühne

2010-08-22T00:26:00.000+02:00

In Berlin laufen einem ständig Schauspieler/innen über den Weg, die man von einer der vielen Bühnen kennt. Jedes mal, wenn ich ein bekanntes Gesicht sehe, freue ich mich so, als würde ich einen alten Bekannten treffen. Wenn ein/e Schauspieler/in, die/den ich besonders mag, neben mir im Café sitzt oder hinter mir an der Kasse steht, überlege ich immer, ob ich mal „Hallo!“ sage und „Ich fand dich in dem-und-dem Stück besonders gut.“

Wenn mich jemand fragt, welchen Schauspieler oder welche Schauspielerin ich am liebsten mag, fällt es mir gar nicht so leicht, eine Antwort zu geben. Es gibt so viele Theaterschauspieler/innen, die ich aus unterschiedlichen Gründen toll finde. Trotzdem habe ich hier eine Liste, meiner Top-3 Schauspieler und Schauspielerinnen erstellt.

SCHAUSPIELER

Martin Wuttke (Berliner Ensemble) – Mein All-time-favourite allein schon wegen Arturo Ui (Berliner Ensemble) - und das seit 15 (!) Jahren. Auch seine eigenen Inszenierungen am BE sind brillant, vor allem „Pffft oder der letzte Tango“. Schade, dass er an die Burg gewechselt und daher nur noch selten in Berlin zu sehen ist.

Lars Eidinger (Schaubühne) – „Hamlet“ ist mein Lieblingsstück von Shakespeare. Dementsprechend bin ich anspruchsvoll, wenn es um die Besetzung und die Inszenierung des Stückes geht. Seit zwei Jahren ist Lars Eidinger mein neuer Lieblings-Hamlet, denn er hat der Figur noch ein paar neue Facetten gegeben. Schwer zu glauben, dass das noch zu toppen ist. Bewundernswert an Eidinger ist vor allem seine bedingungslose Hingabe an jede Rolle.

Ulrich Matthes (Deutsches Theater) – Wenn man Matthes auf der Bühne sieht, hat man nie das Gefühl, dass da ein Schauspieler steht. Matthes “unterspielt“ all seine Rollen so, dass das Handwerk des Schauspiels quasi zum verschwinden kommt. Man nimmt ihm einfach jede Figur 100prozentig ab.

SCHAUSPIELERINNEN

Carmen-Maja Antoni (Berliner Ensemble) – Wenn man in ein Stück mit Carmen-Maja Antoni geht, kann man eigentlich nichts falsch machen. Egal, wie gut oder schlecht die Inszenierung ist, sie rettet immer den Abend. Sie hat ein unzweifelhaft komisches Talent. Außerdem hat sie mal bei einem Publikumsgespräch, als ein Zuschauer von der „Pflicht ins Theater zu gehen“ sprach, geantwortet: „Aber was für eine schöne Pflicht!“... Jawohl!

Meike Droste (Deutsches Theater) – Sie ist so uneitel und echt auf der Bühne, dass man ihr jede Rolle abkauft. Oft strahlt sie eine gewisse Melancholie aus, die ihre Darstellung umso glaubhafter macht. Es gibt keinen Grund, Meike Droste nicht zu mögen. Sie braucht keine übertriebene Show, denn sie hat eine unglaubliche Aura.

Sophie Rois (Volksbühne) - Die Intensität des Spiels von Sophie Rois ist so stark, dass sie eigentlich niemanden kalt lassen kann. Deswegen zieht sie das Publikum bei jedem Auftritt scheinbar mühelos in ihren Bann. Dies zusammen mit ihrem bezaubernden österreichischen Akzent, macht sie für mich zu einer Lichtgestalt auf der Bühne.

Besonders erwähnen möchte ich außerdem:
Stefan Kurt, Samuel Finzi, Traute Hoess, Stefan Stern, Dejan Bucin, Jürgen Holtz, Alexander Scheer, Michael Maertens, Alexander Khuon, Michael Schweighöfer, Götz Schubert, Josef Bierbichler, Sabin Tambrea, Christopher Nell…

Kommen wir noch rein? - Offene Probe "Othello" (Schaubühne)

2010-07-31T21:48:00.003+02:00

„Fünf können noch rein“ sagt die Dame am Bühneneingang der Schaubühne. Es ist kurz nach sieben und wir warten seit einer guten halben Stunde auf den Einlass. Die offene Durchlaufprobe von Othello (Regie: Thomas Ostermeier) wurde per Newsletter und auf Facebook angekündigt. Es hieß dort, man solle sich einfach um 19 Uhr am Bühneneingang einfinden und brauche auch keine Karte. Mit so vielen Leuten hatte die Schaubühne offensichtlich nicht gerechnet. Gut, dass wir so früh hier waren, denken wir noch als wir in der Schlange stehen. Hinter uns stellen sich immer mehr Menschen an. Jetzt stehen wir vor der Tür und können erst mal nicht rein, weil sich von der Seite einige reindrängeln wollen, die auf Sonderbehandlung hoffen. Während ein Mitarbeiter der Schaubühne über zwei Drittel der Wartenden nach Hause schickt, gehen ein, zwei, drei, vier, fünf Leute an uns vorbei hinein. Dreharbeiten unterbrochen, extra aus Cottbus angereist, Freund eines Schauspielers, das sind die Gründe, mit denen sie sich Einlass verschaffen. Das darf nicht wahr sein! Werden wir jetzt so kurz vorm Ziel weggeschickt? Zum Glück wurden eben in der Schaubühne die Plätze noch mal durchgezählt und wir sowie ca. zehn weitere dürfen dann noch rein.

Theater erzeugt bei mir ja sowieso immer ein Hochgefühl, aber wenn man zu den „Auserwählten“ einer solchen Veranstaltung gehört, ist das Kribbeln gleich noch mal so schön. Ostermeier macht eine kurze Ankündigung, erklärt den Zuschauern in der ersten Reihe, dass sie nass gespritzt werden könnten. Die haben sich das wohl schon gedacht, denn die Bühne ist ein riesiges Wasserbassin. Die Probe läuft ohne Unterbrechung durch, nur an wenigen Stellen gibt es kleine, kaum merkliche Fehler oder Versprecher. Irgendwann vergisst man, dass man eigentlich in einer Probe sitzt. Erst beim Schlussapplaus fällt das wieder auf, weil sich die Schauspieler nicht verbeugen, sondern einfach die Bühne verlassen als das Licht wieder angeht. Im Theater ist man eben abergläubisch. Vor der Premiere darf man sich nicht verbeugen. Ich finde diesen Aberglauben sympathisch.

Ich bin mir sicher, die Othello-Premiere wird ein Erfolg. Die Inszenierung ist an keiner Stelle ermüdend, die Schauspieler – so kennt man es von der Schaubühne – spielen sich die Seele aus dem Leib. Das Wasser – nein, kein abgedroschenes Theatermittel – wird perfekt eingesetzt. Und ich hatte mal wieder ein Aha-Erlebnis, weil mir der Text von Othello selten so verständlich war. Iago bzw. der Schauspieler Stefan Stern überragt alle. Wenn man ihn nicht hassen müsste, weil er einer der gemeinsten Intriganten in der Welt des Theaters ist, könnte man ihn glatt bewundern.

Ja!

2010-07-24T08:16:00.000+02:00

Paternoster, eines der renommiertesten Improvisationstheater aus Berlin hat heute etwas ganz Bezauberndes auf die Bühne gebracht. Wir waren zu dieser ungewöhnlichen Theatershow als „Komparsen“ eingeladen. Es handelte sich um einen Heiratsantrag, der als Firmenshow getarnt war. Das Publikum, bis auf den zukünftigen Bräutigam und die Eltern der Braut waren eingeweiht. Sie lockte ihn ins BKA, um die Show unter dem Motto „REWE Ost fusioniert mit REWE West“ zu sehen. Auf den Tischen luden – passend zur Show und passend zum eigentlichen Anlass des Abends – Produkte der REWE-Handelsmarke Ja! zum Verzehr. Das Ensemble von Paternoster gab eine gute halbe Stunde einige seiner Impro-Nummern zum Besten bis der, für den der gesamte Abend geplant war, unter einem Vorwand auf die Bühne gelockt wurde. Was folgte war ein Heiratsantrag von ihr, der selbst mich, die ich für derlei Kitschiges normalerweise nicht zu haben bin, rührte. Er sagte „Ja!“. Was für eine tolle Idee, glänzend umgesetzt vom Paternoster-Team! Danke für einen außergewöhnlichen Abend!

Lohn des Lügners: "Der Parasit" (BE)

2010-07-20T22:44:00.001+02:00

In Schillers Komödie „Der Parasit oder die Kunst sein Glück zu machen“ (Ein Lustspiel nach dem Französischen des Picard.) fallen fleißige und gebildete Bürger auf die Lügen eines Mannes herein. Dieser beherrscht nichts weiter als die Kunst des Blendens.

Die Handlung in Kürze:
Ein neuer Minister (Selicour) ist ins Kabinett berufen und tritt sein Amt an – Grund für die Ministerialbeamten, sich ihm als unentbehrlich darzustellen. Wer nach oben will, biedert sich an, zeigt sich eifrig, macht sich wichtig. List, Intrige und Lüge – oder anders gesagt: Manipulation, Networking, Mobbing sind die Mittel, um die eigene Karriere auf Kosten anderer voranzutreiben. Inkompetenz im Regierungsbetrieb geht rücksichtslos vor. Die Angestellten müssen hilflos mitansehen, wie sich der ungebildete Selicour durch Lug, Trug und Heuchelei eine berufliche Laufbahn bereitet. Dabei lebt er – wie ein gefräßiger Parasit – von den Mühen anderer Leute Arbeit (Firmin und dessen Sohn Karl), er nutzt sie rücksichtslos aus. Je höher er die Karriereleiter hinaufsteigt, umso tiefer fallen seine Konkurrenten. Der Erfolg Selicours beruht auch auf der Leichtgläubigkeit seiner Mitmenschen. Höhepunkt des falschen Spiels ist Selicours Plan, sich durch die Heirat mit Narbonnes Tochter in dessen Familie einzunisten.

„Der Parasit“ ist eine humorvolle Parabel über die Kunst des Lügens und darüber wie Rücksichtslosigkeit in einer Gesellschaft zum Erfolg führen kann. Das Stück ist höchst aktuell, denn heute und in unserer Gesellschaft wird Blendern und Lügnern häufig eher Aufmerksamkeit und Achtung geschenkt als Menschen, die mit fundiertem Wissen, einer guten (Aus-)Bildung und Können aufwarten können.

Oder um es mit Schillers Worten zu sagen: „Die kriecherische Mittelmäßigkeit kommt weiter als das geflügelte Talent, der Schein regiert die Welt". Bei Schiller scheitert der Betrüger am Ende, doch die nächsten warten schon. Denn: "Die Gerechtigkeit ist nur auf der Bühne“.

Zur Inszenierung:
In der Inszenierung von Philip Tiedemann am Berliner Ensemble werden sämtliche Figuren als Puppen dargestellt. Die Schauspieler agieren auf einer steilen pyramidenartigen Treppe. Sie sind halb menschlich, halb künstlich: Die Oberkörper sind die der Schauspieler, die Beine werden durch die von Puppen ersetzt. Sie tauchen aus den Klappen auf der Treppe auf wie Kasperlepuppen, wie der Teufel, die (Groß-)mutter, der junge Liebende und weitere Stereotypen. Jede Geste wird entsprechend mit einem passenden Geräusch eines Ein-Mann-Orchesters unterstrichen. Der Parasit Selicour wird gleich von sieben Schauspielern (Thomas Wittman u.a.) dargestellt, die teilweise gleichzeitig auf der Bühne erscheinen. Dejan Bucin als Karl Firmin und Axel Werner als Madame Belmont seien an dieser Stelle noch besonders lobend erwähnt.

Foto: Barbara Braun (Thomas Wittmann als Selicour und Alexander Ebeert als La Roche)

Eines Abends wird ein Getös' sein: "Die Dreigroschenoper" (BE)

2010-07-06T00:08:00.001+02:00

Der Mensch ist gar nicht gut,
Drum hau' ihn auf den Hut.
Hast du ihn auf den Hut gehaut,
Dann wird er vielleicht gut.
Denn für dieses Leben
Ist der Mensch nicht gut genug.
Darum haut ihn eben
Ruhig auf den Hut.
(Jonathan Jeremiah Peachum)

Christina Drechsler (Polly Peachum), Stefan Kurt (Macheath)
Foto: Lesley Leslie-Spinks

Schön wars mal wieder! Mal wieder eine Inszenierung von Robert Wilson am BE: Die Dreigroschenoper. Natürlich könnte man auch sagen, kennst du eine, kennst du alle. Denn die Wilson-Inszenierungen sind sich in ihrer Ästhetik ähnlich und viele Elemente wiederholen sich. Außerdem arbeitet Wilson immer wieder mit den gleichen Schauspielern. Aber wenn man wie ich Gefallen daran gefunden hat, dann kann man eigentlich auch nicht genug davon bekommen. Nicht genug von den tollen Kostümen, den roten Haaren und den androgyn geschminkten Gesichtern. Wilsons bricht in all seinen Inszenierungen die Geschlechterrollen auf und öffnet die Beziehungen der Figuren.

Hinzu kommt, dass ich die Musik der Dreigroschenoper so gerne mag, dass ich am liebsten immer mitsingen würde. Die gesangliche Leistung des Ensembles war wie immer solide und dem Stück absolut angemessen. Großartig war natürlich auch Stefan Kurt (der mir schon in Wilsons Leonce und Lena als Valerio von allen am besten gefallen hat) als Mackie Messer. Unter den weiblichen Darstellerinnen hat mir Traute Hoess besonders gefallen, weil sie die Celia Peachum mit so viel Witz und Charme spielt, dass sie zum heimlichen Star des Abends wird.

Ein Loblied auf Theater-Blogs

2010-06-17T23:23:00.000+02:00

Über dieses Loblied auf Theater-Blogs habe ich mich sehr gefreut und möchte es daher meinen Theater-Blog-Leser/innen nicht vorenthalten:

Manuel Braun: Theaterblog

Gut beobachtet und klug geschrieben. Danke!

Spielfreude im Hexenkessel

2010-06-15T23:49:00.000+02:00

Nun macht Don Juan nicht nur sein Glück bei den Mädchen, sondern er macht die Mädchen glücklich und - unglücklich, aber seltsam, gerade so wollen sie es haben, und es wäre ein schlechtes Mädchen, das nicht unglücklich werden möchte, um einmal mit Don Juan glücklich gewesen zu sein. - Sören Kierkegard

Das gehört zum Sommerprogramm: Hexenkessel Hoftheater
Heute: Don Juan von Molière

Nachdem ich mit Berlin-Besuch (eine Freundin aus USA plus eine Freundin aus Bonn) den ganzen Tag durch die Stadt gestreift war und wir uns mit leichtem Sonnenbrand auf der Nase ein Bierchen in der Strandbar im Monbijou Park an der Spree gegönnt hatten, war diese locker-leichte Inszenierung genau das Richtige: Ein engagiertes Ensemble mit großer Spielfreude, viele bunte Kostüme, Zoten, Slapstick und einige sehr nette Anspielungen zum aktuellen Geschehen ("Das war's, ihr seid raus aus dem Stück." - "Ach gut, dann können wir ja jetzt in Ruhe Fußball gucken."), die Handlung bekannt, aber irgendwie immer wieder gut.

Zurücklehnen, entspannen, Kopf ausschalten und einfach Spaß haben - auch so darf Theater sein.

Theatertreffen 2010: Beim 3sat-Preiskampf macht Juli Zeh für Paulman und Herwig das Rennen

2010-05-25T22:31:00.000+02:00

Nur 60 Minuten hatten die vier streitbaren Experten, die am Wochenende vor Lifepublikum in den Berliner Festspielen und den 3sat-Zuschauern an den Bildschirmen eine Entscheidung über die Vergabe des mit 10.000 Euro dotierten Theaterpreises treffen mussten.

Die vier Experten und ihre Kandidaten waren:
Juli Zeh (Autorin) für die Schauspieler Annette Paulmann und Paul Herwig in "Kleiner Mann - was nun?"
Christopher Schmidt (Journalist) für die Regie von Victor Bodó in "Die Stunde da wir nichts voneinander wussten"
Tobi Müller (Journalist) für das gesamte Ensemble der "Kontrakte des Kaufmanns"
Burghart Klaußner (Schauspieler) für den Schauspieler Markus John in "Die Schmutzigen, die Häßlichen und die Gemeinen"

Schnell, war klar, dass Juli Zeh mit ihren Kandidaten das Rennen machen würde. Denn schon ihr Plädoyer zu Beginn des Preiskampfs ließ ihre Mitstreiter mit ihren Gegenargumenten blaß aussehen. Mich und meine Begleiter hat sie sofort und nachhaltig überzeugt. Und so schaffte sie es dann auch, zunächst Christopher Schmidt und Tobi Müller und endlich sogar Burghart Klaußner (weil der Preis damit wenigstens an Schauspieler gehen würde) auf ihre Seite zu ziehen. Dabei hat sie zwar einen kleinen Trick angewandt und die anderen nach ihrer zweiten Wahl gefragt - und plötzlich stand es 3:1 - und ihre zweite Wahl erst auf Nachfrage genannt, aber wer so clever agiert, gewinnt am Schluss zu Recht.

Da auch ich immer dazu tendiere die Leistungen von Schauspielern auszuzeichnen, weil man deren Arbeit m.E. nicht hoch genug bewerten kann, bin ich mit dem Ergebnis zufrieden. Insgesamt kam die Veranstaltung im Vergleich zum letzten Jahr professioneller daher (andere Kulisse und Ausstattung), die Moderatorin Tita von Hardenberg hätte es allerdings nicht gebraucht. Sie wirkte in meinen Augen nicht nur falsch besetzt, sondern war eigentlich auch vollkommen überflüssig.

Toll, war das Live-Blogging der Theatertreffen-Blogger, die die 60 Minuten kurz, knackig und witzig komentierten.

Die Entscheidung zwischen Chucks und Sneakers: " Das Prinzip Meese" (Maxim-Gorki-Theater)

2010-05-22T18:29:00.002+02:00

"Das Prinzip Meese" von Oliver Kluck wurde 2009 mit dem tt-Stückemarkt Förderpreis ausgezeichnet.

In dem Stück, das derzeit am Maxim Gorki Theater zu sehen ist, stehen zwei um-die-30-jährigen stellvertretend für eine Generation, die zwar gut ausgebildet, aber doch irgendwie orientierungslos ist. Dem permanenten Vorwurf der Passivität und Antriebslosigkeit ("Ich habe noch Rudi Dutschke gekannt und was macht ihr? Twittern!") ausgesetzt, führen sie ein Leben mit wechselden Jobs und werden durch das Fernsehen und die mediale Welt beeinflusst. Fünf Sprachen und ein Einser-Abi helfen leider auch nicht, bei der Suche nach dem Sinn.

Die Performance der Anfangssequenz von Baywatch und die anschließende Befragung des Publikums nach bekannten Fernsehserien der 80er und 90er ist so witzig, weil man sich sofort an seine eigene Jugend erinnert fühlt: Das A-Team, Ein Colt für alle Fälle und Beverly Hills 90 210 sind die Sendungen, die wir als Jugendliche gesehen haben. Auch in den Lebensläufen (z.B. Studium der Germanistik, Soziologie, Theaterwissenschaften und Kommunikationswissenschaften mit anschließender Hospitanz am Theater, bei der es zwar kein Geld gab, das aber trotzdem total Spaß gemacht hat oder Verkäuferin bei Peek & Cloppenburg, mit Partywochenende im Weekend und der Bar25) findet man sich zwangsläufig selbst wieder.

Auch in Sachen Mode, wissen die Protagonisten, was ihre Generation auszeichnet. Glaubt doch jeder achso individuell zu sein. Dabei entscheidet sich diese Generation letztendlich doch nur zwischen Chucks und Sneakers.

Weitere Infos zum Stück hier: http://www.gorki.de/-/repertoire/519539

Theatertreffen Public Viewing: Ein anderes Theaterfeeling

2010-05-18T00:39:00.001+02:00

Am Wochenende war ich mit Freunden beim Public Viewing des Theatertreffens auf dem Potsdamer Platz. Die Live-Übertragung einiger Stücke wurde in diesem Jahr zum ersten mal für Zuschauer angeboten, die keine Tickets mehr bekommen haben. Das rbb Fernsehen hat dies für die Spätnachrichten dokumentiert und unter den Zuschauern O-Töne eingefangen. Der Kelch ging auch an mir nicht vorüber und so wurde auch ich zu meinen Eindrücken befragt. Nach meinem Statement auf die Frage "Kommt bei Ihnen denn das richtige Theaterfeeling auf?" glaubte ich, eine insgesamt positive Antwort gegeben zu haben. Hatte ich eigentlich auch, aber…

„Zu lang und zu intellektuell“, meinte einer meiner Begleiter, selbst Fernsehjournalist, „das wird geschnitten“. Er hatte Recht. Als mein Statement tatsächlich in einem Bericht des rbb ausgestrahlt wurde, staunte ich nicht schlecht. Denn: Meine Antwort wurde so zusammen geschnitten, dass der Eindruck entstand, als wäre ich von der Veranstaltung nur mäßig begeistert. Durch die Weglassung eines ganzen Teils meiner Aussage und weil natürlich auch die Frage nicht mitgesendet, sondern meine halbe Antwort nur in den Kontext gestellt wurde, ist ein etwas verzerrtes Bild entstanden.

Natürlich hatte ich gesagt, dass es etwas anders ist, als wenn man im Theater sitzt. Weil es a) zu kalt war und b) Theater auf dem Bildschirm nicht das gleiche (weil nicht so unmittelbar) ist wie ein Stück im Zuschauerraum zu verfolgen. Insgesamt halte ich das Theatertreffen Public Viewing jedoch für eine gute Idee, weil es einem die Chance gibt, wenigsten einige Stücke zu sehen, für die man keine Karten bekommen konnte. Und besser als zu Hause vor dem Fernseher ist es allemal. Denn: Schließlich macht man sich auf, um gemeinsam mit Gleichgesinnten ein Stück Kultur zu teilen, eine Stimmung mitzuerleben, sich mit anderen vor und nach dem Stück auszutauschen und wenigsten ein kleiner Teil des tt zu sein.

Darum hoffe ich, dass es im nächsten Jahr eine Fortsetzung des tt-Public Viewing geben wird. Dann hoffentlich bei besseren Temperaturen.

Authentisch

2010-05-10T23:20:00.000+02:00

Gestern wurde der Theaterpreis 2010 an Margit Bendokat verliehen. Auf der Bühne im Deutschen Theater wurde für die Schauspielerin gesprochen, gesungen und gespielt. Die Laudatio hielt Nicolas Stemann. Dabei sind bei mir vor allem folgende seiner Worte hängen geblieben (sinngemäß): Im Theater herrsche im Moment die Sitte mit Tieren, Kindern und echten Hartz-IV-Empfängern zu arbeiten, um möglichst authentisch zu sein. (Die Anspielung ist klar!) Wenn man diese jedoch aus ihrer Umgebung nähme und sie dann auf eine Bühne stelle, dann sei das alles andere als authentisch. Denn wenn man Botschaften an da Publikum aussenden wolle, dann funktioniere das mit ausgebildeten Schauspielern besser, denn nur diese seien auf Grund ihrer Fähigkeiten in der Lage diese zu vermitteln. So eine sei Margit Bendokat. Wenn man mit einer solchen Schauspielerin arbeiten könne, brauche man keinen Hartz-IV-Chor.

Ich finde Nicolas Stemann hat Recht. Sicher – Tiere und Laien auf der Bühne haben ihre Daseinsberechtigung, aber ehrlich gesagt schaue ich auch lieber guten Schauspielern zu und kann dabei jede Menge mitnehmen.

Der Theatertreffen-Blog ist gestartet!

2010-05-03T12:57:00.001+02:00

Ab heute sind die Blogger des Theatertreffens wieder aktiv.

Junge Nachwuchskulturjournalisten kommentieren hier Eindrücke und Erlebnisse rund um das tt2010.

http://www.theatertreffen-blog.de/tt10/

In einem ersten interessanten Beitrag geht es um die Frage, ob kulturjournalistisches Bloggen überhaupt möglich ist.

Viel Spaß beim Lesen und mitdiskutieren!

Theatertreffen 2010: Public Viewing

2010-04-30T00:59:00.000+02:00

Die Karten-Nachfrage beim tt ist wie immer groß und die Tickets sind nicht günstig. Wer keine Karte mehr bekommen hat, kann in diesem Jahr zwei Inszenierungen beim Public Viewing im Sony Center am Potsdamer Platz sehen:

Freitag, 14. Mai 2010, 20:00 Uhr
Burgtheater, Wien
„Der goldene Drache“ von Roland Schimmelpfennig
Regie: Roland Schimmelpfennig
Fernsehregie: Hannes Rossacher
Bühne und Kostüme: Johannes Schütz

Samstag, 15. Mai 2010, 20:00 Uhr
Thalia Theater Hamburg/Schauspiel Köln,
„Die Kontrakte des Kaufmanns“ von Elfriede Jelinek
Regie: Nicolas Stemann
Fernsehregie: Harald Spieß
Bühne: Katrin Nottrodt

Foto: Die Kontrakte des Kaufmanns (c) David Baltzer

Theatertreffen: TheaterBlick @ Preiskampf am 22. Mai 2010

2010-04-26T21:12:00.001+02:00

Ein Theaterstreit für eine Auszeichnung.

Im Rahmen des Theatertreffens 2010 findet am 22. Mai der 3sat-Preiskampf statt.

Infos zur Veranstaltung:
Der Preisträger wird live vor laufenden Kameras bestimmt. Das Publikum im Haus der Berliner Festspiele und die 3sat-Zuschauer an den Bildschirmen werden Zeuge des Preiskampfs um die Auszeichnung für eine „herausragende künstlerische Leistung aus dem Kreis der zum Theatertreffen eingeladene Inszenierungen“. Die Jury muss sich innerhalb von 60 Minuten verständigen; nur wenn Einigkeit erzielt wird, gibt es den Preis. Es wird also richtig spannend!

Vier streitbare Experten mit durchaus unterschiedlicher Sicht auf das Theater nominieren jeweils ihren persönlichen Kandidaten aus den Theatertreffen-Inszenierungen. Die Mitglieder der Jury (die Autorin Juli Zeh, die Journalisten Tobi Müller und Christopher Schmidt und der Schauspieler Burkhardt Klaußner) – versprechen einen harten, aber fairen Kampf.

Im letzten Jahr erhielten Birgit Minichmayr, Nicholas Ofczarek und Werner Wölbern für ihre schauspielerische Leistung in „Der Weibsteufel“ von Karl Schönherr in der Inszenierung von Martin Kušej den mit 10.000 Euro dotierten Preis. Meinen Bericht dazu könnt ihr hier lesen: http://theater-in-berlin.blogspot.com/2009/05/theatertreffen-part-2-preiskampf.html

Robert Wilsons Videoportraits in der Kunsthalle Koidl

2010-04-20T13:09:00.000+02:00

Fotos:
Zhang Huan, Künstler, Musik Michael Galasso
Robert Wilson 2004(Courtesy: Robert Wilson / Produced by Dissident Industries Inc.)
Prinzessin Caroline von Monacco, Musik Bernard Hermann
Robert Wilson 2006 (Courtesy: Robert Wilson / Produced by Dissident Industries Inc.)

Der Theatermacher Robert Wilson zeigt seinen einzigartigen Stil auch in seinen Videoportraits. Noch bis 2. Mai 2010 in der Kunsthalle Koidl in Berlin.
http://www.kunsthalle-koidl.de

ROBERT WILSON Video Portraits
A Collectors View

9. Februar – 2. Mai 2010
Kuratoren: Noah Koshbin und Matthew Shattuck
Robert Wilson Video Portrait, Prinzessin Caroline von Monaco,
2006, Musik Bernard Hermann
Die Ausstellung ROBERT WILSON Video Portraits, A Collectors View zeigt Video Portraits
aus drei internationalen Sammlungen:

Prinzessin Caroline von Monacco, 2006, Musik Bernard Hermann
Sammlung Bernice Steinbaum (Miami, Florida),

Zhang Huan, Künstler, 2004, Musik Michael Galasso
Sammlung Michael Weinstein (NYC, NY)

Horned Frog, 2006, Musik J.S. Bach, Goldberg Variationen, interpretiert von Glenn Gould
Sammlung Watermill Center (Watermill, NY).

Die Ästhetik Robert Wilsons prägt bereits seit 40 Jahren die internationale Theater-und Opernszene. Wilsons enge Freundschaften und Kollaborationen mit führenden Künstlern, Autoren und Musikern inspirierten ihn seit 2004 auch zu der fortlaufenden Serie der Video Portraits. In den stilistisch ansprechenden Video Portraits inszeniert Robert Wilson den Auftritt der Portraitierten, lässt ihre individuellen Biographien sprechen und fügt durch die Wahl der Musik eine weitere erzählerische Komponente hinzu.

Zahlreiche Quellen der Inspiration werden zitiert, diese speisen sich aus der Kunst der Avantgarde, des experimentellen Theaters und eines persönlichen Erinnerungsschatzes. So erkunden die Video Portraits historische und kulturelle Momente in dem Oeuvre des ingeniösen Künstlers. Robert Wilson tritt als Autor der Portraits auf und verwandelt die Ausstellungshalle in eine Bühne für den Auftritt der Portraitierten.

Dramatische Kühle, surrealer Traum, reizvolle Studien minimaler Bewegungen -Wilsons
charakteristischer Einsatz von Licht und faszinierender Farbigkeit sowie seine
investigative Annäherung an die Strukturen einer einzelnen Bewegung erfüllen den Raum mit einer einnehmenden Präsenz von Farbe, Klang und einer differenzierten Wahrnehmung der Zeit.

Die Ausstellung wurde zuvor in zahlreichen Galerie-und Museumsausstellungen gezeigt,
unter anderem in New York, Los Angeles, Miami, Omaha, Iowa, Moskau, Neapel, Spoleto,
Hamburg, Paris, Singapur, Sao Paulo, Graz, Groningen und ab Mai 2010 in Karlsruhe.

Die Ausstellung wurde produziert von Dissident Industries Inc.

ARD-Interview mit Robert Wilson:
http://www.ard.de/kultur/kunst-ausstellung/robert-wilson-video-portraets/-/id=8394/mpdid=1419164/nid=8394/did=1419164/1lelhdc/index.html

Ein weiteres interessante Interview im Art Kunstmagazin:
http://www.art-magazin.de/kunst/27903/robert_wilson_interview

Zum Tod von Werner Schroeter

2010-04-13T19:41:00.000+02:00

Gestern ist Werner Schroeter im Alter von 65 Jahren seinem Krebsleiden erlegen. Der Film- und Theaterregisseur zählte zu den außergewöhnlichsten Erscheinungen der deutschen Kulturszene. Er hat über 80 Theaterstücke inszeniert, zuletzt "Quai West" an der Berliner Volksbühne.

In den letzten vier Monaten ist Werner Schroeter mir auffällig oft begegnet - oder ich ihm. Im Januar wurde ihm der Teddy Award für sein Lebenswerk verliehen und ich saß tief bewegt vor dem Fernseher. Ich hörte die Rede dieses Mannes, der zwar deutlich von seiner Krankheit gezeichnet war, aber es dennoch schaffte, die Menschen zu unterhalten und für sich zu einzunehmen.

Vor etwa vier Wochen ist er mir im Eingangsbereich des KaDeWe begegnet. Ich fragte mich noch, ob er sich in Berlin so wie viele andere Künstler wohl fühlt, weil man hier nicht dauernd von Fans belagert wird. Etwa eine halbe Stunde später stand er - so ein Zufall - neben mir an einer Ampel. Ich habe still in mich hineingelächelt und ihn natürlich nicht angesprochen. Jetzt frage ich mich, ob ich es hätte tun sollen. Einfach bloß, um zu sagen, wie er mich beeindruckt.

Zuletzt ist mir Werner Schroeter auf einer Streichholzschachtel begegnet, am vergangenen Samstag in der Volksbühne. Dort lagen diese Give aways mit den Namen verschiedener Regisseure auf dem Infotisch aus. Und viele Menschen haben sich eine Schroeter-Streichholzschachtel eingesteckt.

Ob die heute auch alle damit in der Hand zu Hause sitzen und denken, wann und wo habe ich Werner Schroeter zuletzt gesehen?

Das war die 2. Lange Nacht der Opern und Theater

2010-04-12T19:35:00.000+02:00

Ich denke, ich spreche für meine Mitstreiter, wenn ich sage: Mit dieser Langen Nacht können wir sehr zufrieden sein. Da ich in diesem Jahr besser geplant hatte als im letzten, hat alles viel reibungsloser geklappt. Die Erfahrung des letzten Jahres hat mich gelehrt, genügend Zeit zwischen den Veranstaltungen einzuplanen. Dann ist alles etwas entspannter. Ich hatte aber auch den Eindruck, dass die Spielstätten nicht so überlaufen waren wie beim letzten mal. Oder wir hatten einfach Glück!

Das Programm war gut gemischt, es gab echte Highlights, wunderbare Neuentdeckungen und auch Überraschungen.

Das bat-Studiotheater hat mir/uns besonderen Spaß gemacht. Keiner von uns, wusste so recht, was in der Spielstätte für Schauspielschüler der Ernst Busch auf uns zukommen würde. Die Begeisterung war daher um so größer. Wer also mal abseits der großen Häuser etwas Neues kennen lernen möchte, dem sei dies an Herz gelegt.

Das Gleiche gilt für das Eigenreich (Greifswalder Str.), ein kleines Theater, das selbst vielen Bewohnern des Prenzlauer Berg kein Begriff ist. Umso schöner, wenn man die Chance hat, es im Rahmen einer solchen Veranstaltung kennen zu lernen. Ein Besuch lohnt auch hier.

Die viel gepriesene Berlin-Revue von Mark Scheibe im Admiralspalast hat uns hingegen wenig überzeugt. Ich hatte vielleicht auch zu hohe bzw. die falschen Erwartungen. Irgendwie war mir, das zu klamaukig, die Witze etwas zu platt und insgesamt nichts wirklich Neues. Aber so etwas ist ja auch Geschmackssache...

Schließlich haben wir uns in der Komischen Oper noch die "Schönsten Operntode" angesehen. Gute Idee, auf diese Weise Ausschnitte aus dem aktuellen Programm zu zeigen und somit auch Nicht-Operngängern Geschmack auf die Oper zu machen. Aufgelockert wurde das ganze vor allem durch die Moderation: Im Vergleich zur oben beschriebenen Mark Scheibe Show war das nämlich ein klügerer und subtilerer Humor. Nebenbei bekamen wir noch einige wissenswerte Infos über die Oper, die selbst einigen fleißigen Opernbesuchern neu waren.

Die Abschlussparty war etwas durchwachsen, was sicherlich damit zusammenhing, dass bei vielen die gute Stimmung durch die lange Wartezeit vor der Volksbühne zerstört wurde. Mir ist nicht ganz klar, warum einige teilweise bis zu einer Stunde auf den Einlass warten mussten, denn der Bühnenraum hätte selbst bei dem großen Andrang noch viel mehr Leute gefasst. Etwas unangenehm waren auch die Sicherheitsleute, die durch ihre Präsenz nicht gerade zu einer guten Atmosphäre beitrugen. Die Veranstalter werden ihre Gründe dafür haben, Security einzusetzen, können aber an diesem Teil des Abends sicher noch einiges besser machen. Im letzten Jahr hat es ja auch ohne Sicherheitsleute geklappt - oder sie sind einfach weniger aufgefallen. In jedem Fall war die Abschlussparty da besser, entspannter und fröhlicher.

Alles in allem war es aber ein tolle Veranstaltung, die auf jeden Fall weiter geführt werden sollte. Denn sie bietet sowohl für Theater-Profis als auch für -Neulinge jede Menge Überraschungen und zeigt Theater in all seinen Facetten.

Es würde nichts ändern, ob du gehst oder bleibst

2010-04-05T19:09:00.000+02:00

TRUST mit Tänzern der Compagnie anoukvandijk dc und Schauspielern der Schaubühne am Lehniner Platz

Mir war nicht klar, was mich hier erwarten würde - Tanz- bzw. choreographisches Theater ist ja immer so eine Sache. Entweder begeistert es mich total oder ich muss mich sehr bemühen, Zugang dazu zu finden. Dieses Stück hat mich begeistert.

Schon nach wenigen Minuten, wenigen Sätzen, wenigen Bewegungen der Darsteller auf der Bühne taucht man ein in die Atmosphäre und lässt sich vom Rhythmus des Stücks abholen. Die Tänzer und Schauspieler winden sich über die Bühne, ziehen sich an, stoßen sich ab, an und wieder ab wie in einer Endlosschleife.

Die von den Darstellern gesprochenen Texte werden wiederholt, gleichzeitig oder versetzt von mehreren gesprochen, unterschiedlich betont. Das Stück mutet bisweilen wie ein Musikvideo an, bei dem Teile immer wieder gesampelt und neu gemischt werden.

Die Dialoge (oder Monologe) scheinen zum Teil übertrieben und doch kennt man sie genau: "Wir haben eigentlich keine Beziehung zueinander außer, dass du mein Freund bist, aber ansonsten..."

Die Figuren des Stückes suchen nach ihrer Identität und dem Sinn ihres Handelns: "Ich kann doch nicht immer, wenn mir etwas nicht passt, ein Che Guevara T-Shirt kaufen und damit den Ku-Damm auf und ab laufen."

Sie versuchen, ihre Beziehung zu ordnen: "Lass uns einfach alles so lassen wie es ist. Es ist zu kompliziert, das jetzt alles zu ändern. Lass uns nicht alles durcheinander bringen."

Das alles ist gespickt mit einer tragischen Komik, die es dem Zuschauer erlaubt, auch immer wieder einen ironischen Blick auf diese (und die eigenen) Beziehungen zu werfen.

Wer etwas übrig hat für choreographisches Theater, Bewegung und Klang sollte dieses Stück sehen.

Shakespeares Sonette revisited

2010-03-26T11:40:00.001+01:00

Diese Woche war ich noch mal in Shakespeares Sonetten im BE (Wilson/Wainwright). Und ich fand es wieder toll - fast noch besser als beim ersten mal. Denn dieses mal konnte ich mich auf und über die Szenen freuen, die ich schon kannte. Am liebsten hätte ich mitgesungen. Was besonders schön war: Von den 10 Personen, die mit mir da waren, waren 9 ebenso begeistert. Geteilte Freude ist ja bekanntlich doppelte Freude!

Ich hoffe, dass es eine CD vom Stück geben wird und überlege noch mal reinzugehen. Vielleicht mit Freunden, die mich in Berlin besuchen. Dieses Stück muss einfach jeder gesehen haben!

Pressekonferenz zur 2. Langen Nacht der Opern und Theater

2010-03-11T14:56:00.000+01:00

Theater, Musik und Tanz vom Keller bis unters Dach

Im Rahmen der Pressekonferenz zur 2. Langen Nacht der Opern und Theater (10. April 2010) wurde heute das Programm vorgestellt. Der inhaltliche Schwerpunkt liegt in diesem Jahr auf Tanz. Neu ist ein spezielles Programm für Kinder und Jugendliche. Als besonderes Highlight wurde eine öffentliche Probe von "Wie es euch gefällt" (Theater am Kurfürstendamm, Regie: Katharina Thalbach) angekündigt.

Jede Bühne und jedes Haus setzt sein Programm anders in Szene: Sie lassen sich in den Bauch gucken (Schaubühne), präsentieren den Umbau auf offener Bühne (Staatsoper), erlauben den Blick hinter die Kulissen (Friedrichstadtpalast, Renaissance-Theater) und den Probenbesuch (s.o.).

Ab Mitternacht findet in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz die Lange-Nacht-Party statt.

Die Lange Nacht ist zum einen als Inspiration für diejenigen gedacht, die nicht so häufig ins Theater gehen. Für geübte Theatergänger kann sie ein neues und vollkommen anderes Theatererlebnis sein. Es geht nicht darum, ein oder zwei Stücke komplett zu sehen. Vielmehr sollen sich die Zuschauer treiben und inspirieren lassen.

Darüber hinaus ist die Lange Nacht vor allem eine Möglichkeit, insbesondere die kleinen Bühnen kennen zu lernen, deren Programm von Lokalkolorit geprägt ist.

Eröffnet wird die Lange Nacht am 10. April 2010 um 18.00 Uhr am Platz des 18. März.

Während der Langen Nacht können die Zuschauer acht Shuttle-Bus-Linien nutzen, die zwischen den Veranstaltungsorten eingesetzt werden. Die Tickets gelten während der gesamten Nacht auch für alle öffentlichen Verkehrsmittel.

http://berlinertheaterblick.blogspot.com/

http://berlin-buehnen.de/langenacht/de_DE/program

Diktatorengattin-Doppelgängerin-Doppelgängerin

2010-02-15T21:45:00.002+01:00

Schon bevor das Stück beginnt, finden sich die Zuschauer in einer für das Theater eher ungewöhnlichen Situation. Sie müssen auf Sitzsäcken Platz nehmen. Das führt dazu, dass sich alle so benehmen, als ob sie sich zu Hause im Wohnzimmer vor den Fernseher flätzen. Man macht es sich mit der Jacke unter dem Kopf gemütlich, kann genüsslich die Beine ausstrecken und jederzeit ganz entspannt die Sitz- bzw. Liegeposition verändern.

Was dann folgt ist ein 1,5 stündiger Spaß auf unter hinter der Bühne. Die Protagonistinnen verschwinden immer wieder hinter die Kulissen. Dort werden sie (zunächst) unbemerkt von einer Kamera gefilmt und philosophieren über das Theater:

„Kann ich denn nicht in meinem Kleid rumstehen und tun, was ich kann als Ersatz für eine Inszenierung. Ich muss doch nicht in Kostümentwürfen rumstehen, die aussehen wir aus Abu Ghraib und die Carmen singen. […] Die kriechen auf dem Boden rum und wälzen sich in ihrer Spucke […] Dann stehe ich eben mit einem Fächer vor einem Don José in einem Astronautenanzug, na und?“

Diese Kritik der Doppelgängerin der Diktatorengattin (Elena Ceaucescu) mutet wie pure Ironie an. Denn: Wie oft hören wir derlei Anmerkungen über das zeitgenössische Theater. Wie oft müssen sich die Theaterleute der Volksbühne wohl solche Vorwürfe über die eigenen Inszenierungen anhören? Pollesch hat sich bestimmt ins Fäustchen gelacht, als er diese Zeilen schrieb und damit so vielen Theatergängern den Spiegel vorhält.

Gewürzt wird das ganze von slapstickartigen Einlagen – Sophie Rois und eine ihrer Doppelgängerinnen stehen sich gegenüber und spielen Original und Spiegelbild –, rustikalem Witz – mit den Worten „wir müssen sie verschwinden lassen“ werfen sie eine Decke über den Leichnam des getöteten Diktators alias Olive – und einem grandiosen Verwirrspiel der Identitäten. Pollesch verwischt die Grenzen von Darstellung und Dargestelltem, die Schauspielerinnen wechseln ständig zwischen verschiedenen Figuren hin und her, tauschen ihre Rollen.

Über allem steht – wie so oft – die schauspielerische Leistung von Sophie Rois, die Elena Ceaucescu im schmalen Rock mit Puffärmeln brillant hysterisch gibt.

Schauspieler in der Kneipe

2010-02-03T03:34:00.000+01:00

So geht das nicht! Andere Menschen quatschen bei jeder unpassenden Gelegenheit irgendwelche Soap-Sternchen, Fernsehmoderatoren und Musiker an, um ihre Autogrammsammlung zu erweitern. Ich hingegen bringe es nicht übers Herz, einen Theaterschauspieler anzusprechen, wenn er neben mir in der Kneipe sitzt oder an der Kasse steht. Ein Autogramm will ich gar nicht. Ich würde ihm oder ihr nur gerne sagen, dass ich ihn/sie in dem und dem Stück gesehen habe und ihn/sie da ganz toll fand.

Gestern saß ich mit einer Freundin in einer Kneipe und zwei Tische weiter ein Schauspieler, der mir schon in diversen Inszenierungen aufgefallen war. „Geh doch mal hin!“ hat meine Freundin gesagt. Habe ich aber nicht. Nicht weil ich mich nicht getraut habe, sondern weil ich ihn nicht nerven wollte. Dabei hätte er sich bestimmt über ein Kompliment gefreut. Ich finde sowieso, dass man die Leistung von Theaterschauspielern nicht genug honorieren kann.

Ich werde das ab jetzt besser machen: Wenn ich irgendwo einen Schauspieler sehe, den ich mag, und er sich nicht gerade mit seiner Freundin im innigen Zwiegespräch befindet, werde ich einfach hingehen und ihm meine Hochachtung ausdrücken.

Prolls vor der Glotze: Tod eines Handlungsreisenden in der Schaubühne

2010-01-24T21:30:00.000+01:00

Ich halte das deutsche Fernsehen derzeit für eine absolute Zumutung und bin erschüttert darüber, was uns sowohl die Privaten als auf die Öffentlich-Rechtlichen derzeit anbieten. Da kommt mir diese Inszenierung wie gerufen.

Nicht im Amerika der 40er sondern im gegenwärtigen Deutschland spielt Luk Precevals „Tod eines Handlungsreisenden“ (A. Miller) an der Schaubühne. Familie Loman sitzt im Unterhemd vor dem Fernseher und starrt stur auf die Mattscheibe. Hier wird nicht mehr mit-, sondern nur noch aneinander vorbei geredet. Man schaut sich beim Reden nicht an, sondern nur in die Glotze. Aber auch da ist kein Heil zu finden, denn die Talk- und Quizshows, Reality-TV und Halbwissenssendungen plätschern so vor sich hin. Die Inhalte sind genauso belanglos und dumm, wie das was die Familienmitglieder von sich geben. Das Fernsehprogramm ist das Spiegelbild dieser sozial degenerierte Familie, die sich vom Schwachsinn einlullen lässt – oder umgekehrt? Der Vater, Willy Loman (Thomas Thieme), hört seiner Frau und den Söhnen nicht zu und faselt fortwährend davon, wie toll seiner Karriere verlaufen ist. Dabei hat er die Bedürfnisse der Familienmitglieder vollkommen aus dem Blick verloren und verkennt, dass er beruflich am Ende ist. Auch mit Beleidigungen spart er nicht und brüllt unkontrolliert jeden an, der versucht, an sein Verständnis zu appellieren. Es wird mit Bierdosen geworfen und sich geprügelt. Die Wut des Sohnes, Biff (Bruno Cathomas) schaukelt sich bis zur Aggressivität. Die angestauten Emotionen entladen sich.

Und über den Köpfen der Zuschauer schwirrt ein Gedanke: So möchte man nicht sein. Diese Gefühl kennt man: Wer einmal eine Sendung des sogenannte Unterschichtenfernsehen, das in seinen zahllosen Reality-Formaten die „Schicksale“ von Menschen entblößt, gesehen hat, kennt die Fremdscham, die einem beinahe körperliche Schmerzen bereitet, zu gut. Nein, so bin ich zum Glück nicht, denkt hier sicher jeder. Und wieder stellt sich die Frage: Spiegelt das Fernsehen die Gesellschaft wieder oder schauen sich die Zuschauer ein Verhalten und menschliches Miteinander ab, das das Fernsehen vormacht. Gesteigert wird das Ganze noch durch die Auftritte der jungen Frau, der Affäre Willy Lomans, die wie ein Porno-Queen mit hochgepitschter Stimme und entblößten Brüsten auf der Bühne und in den Köpfen der Zuschauer für Peinlichkeiten sorgt. Das Ende, der Tod von Willy Loman, erscheint einem da nach fast zwei Stunden Familienzoff fast wie eine Erlösung. Die Familie versammelt sich nebst Geliebter zur Totenwache und Lomans Chef macht ein Foto von der Leiche – zur Erinnerung.

Fazit: Probleme sollten ausgesprochen werden. Deren Lösung findet sich nicht im Fernsehen. Denn das kann derzeit kaum mehr als billige Unterhaltung leisten. Lieber öfter mal ins Theater gehen.

Theaterstücke lesen

2010-01-08T23:38:00.000+01:00

Wenn mich ein Theaterstück besonders beeindruckt hat, habe ich immer das Bedürfnis, das Drama danach auch zu lesen. Leider stelle ich dann immer wieder fest, dass Dramen eben für die Bühne gemacht sind. Ein Stück zu lesen, macht mir nicht mal halb so viel Spaß wie es zu sehen. Selbst dann nicht, wenn ich es unter dem unmittelbaren Eindruck der Inszenierung - also direkt danach - lese. Ich empfinde es als furchtbar anstrengend, mich in die Handlung hineinzuversetzen und besonders dann, wenn viele Figuren in einer Szene auftreten, verliere ich den Faden.

Schillers sämtliche Dramen habe ich während des Studiums gelesen und mich mit vielen Textstellen ausgiebig beschäftigt. Ich liebe Schiller und kann die Texte teilweise mitsprechen, wenn ich ein Stück sehe. Aber: Egal, wie intensiv ich mich damit auseinandergesetzt habe, so richtig verstanden habe ich die Stücke immer erst, wenn ich sie gesehen habe. Der eigene Interpretationsrahmen ist zwar dadurch eingeschränkt, dass in der Inszenierung schon eine Deutung vorgegeben ist, aber erst das gesprochene Wort und die Darstellung ist wirklich greifbar.

Da BE veröffentlicht übrigens in seinen Programmbüchern immer die Strichfassung seiner Inszenierungen. Hier kann man sehr gut sehen, wie Regisseure und Dramaturgen mit dem Text arbeiten und welche Aspekte ihnen wichtig erscheinen. Daher empfehle ich allen Theaterstückelesern die Investition von 5 Euro in diese schicken Druckerzeugnisse.

Kriemhilds Blutbad in der Schaubühne

2010-01-07T22:40:00.001+01:00

Auf den leeren Stufen einer ansteigenden Tribüne sitzen Kriemhild, Siegfried, Hagen und alle anderen Figuren der Nibelungen-Sage. Sie tragen Alltagskleidung und wirken auch sonst ziemlich nichtssagend. Von schillernden Sagenfiguren und Helden ist nichts zu spüren. Sie wirken antriebslos. „Erzähl uns was, der Tag wird sonst zu lang“ beginnt König Gunther das 31/2 stündige Stück von Hebbel. Und so treten die Figuren des Dramas auf: Siegfried, der glänzende Held der Nibelungen-Sage, wirkt bisweilen wie ein Riesenbaby, ist übergewichtig, schlecht gekleidet und ungeschickt. König Gunther ist ein Durchschnittsbürger im Rollkragenpulli und Hagen sieht aus wie ein Student, den man erst nach und nach als eine der zentralen Figuren wahrnimmt. Er entpuppt sich freilich im Laufe des Stückes als mörderischer Psychopath. Kriemhild und Brunhild sind Mädchen in Röckchen und Lederjacke. Alles in allem scheinen die Sagenhelden entzaubert. Aber das ist auch gut so, denn in der Inszenierung von Marius von Mayenburg, dem Hausdramaturgen der Schaubühne, tritt somit stärker das zutage, um was es in den Nibelungen geht: Eifersucht, Rache, Wut, Betrug, Verrat, Großmut…

Erzählt wird viel, zumindest am Anfang halten sich die Schauspieler noch mit Aktionen zurück. Umso präsenter wirkt die von Hagen auf die Bühne getragene Riesen-Axt – das Schwert Balmung. Nach den bekannten Lügen, Intrigen und Misstrauen entspinnt sich das Unaufhaltsame. Brunhild wird betrogen, fordert Rache, die von Hagen durchgeführt wird. Siegfried stirbt, was in Kriemhild wiederum noch größere Rachegelüste wachruft. Nicht zuletzt auch dadurch, dass der eigene Bruder nicht zu ihr steht, sondern sich oportunistisch auf die Seite Hagens stellt.

Das Stück endet schließlich in einem furiosen Blutbad, und das ist durchaus wörtlich zu nehmen. Hagen, Gunther und Giselher schütten mehrere hundert Liter Blut vom oberen Absatz des Gerüsts. Ein rauschender roter Wasserfall ergießt sich minutenlang über die Treppe in der deren Mitte Kriemhild sitzt. Wer jetzt „typisch Schaubühne“ denken mag, dem sei gesagt, dass diese Szene aber genau das verdeutlicht, was im Stück gerade stattfindet: Kriemhilds nicht zu bremsender Blutrausch, der erst enden darf, wenn Hagens Kopf abgeschlagen wird. Die Königin, zu Beginn des Stückes noch ein braves, fast unschuldiges Mädchen, hat sich in eine rasende Mörderin verwandelt, der kein Opfer und kein Verlust zu groß ist, um ihr Ziel zu erreichen: die Rache an ihrem Gatten. Ideologie und Fanatismus haben sie blind gemacht gegenüber jeglicher Moral.

"Die Nibelungen" in der Schaubühne bleibt mit seinen Bildern und der Botschaft im Gedächtnis. Auch wenn bei dem sehr textlastigen Stück etwas Kondition gefragt ist, so lohnt es sich schon wegen des schauerlich beeindruckenden Endes bis zum Schluss zu bleiben.

Für Männeraug und Frauenherz verwirrend: Shakespeares Sonette (BE)

2009-10-16T01:59:00.003+02:00

"Kunst muss man nicht verstehen, Kunst muss wirken!" Diesen Satz sagte Jutta Ferbers (Dramaturgin) im Rahmen der Einführung zu Shakespeares Sonetten am Berliner Ensemble. Und dann fügte sie noch hinzu: "Hauptsache Sie nehmen etwas mit, das sie ihr Leben lang begleiten wird." Richtig, das ist das Wichtigste im Theater, in der Kunst und überhaupt. Und ich habe ganz viel mitgenommen: wunderbares Theater, wunderschöne Musik, herausragende schauspielerische und gesangliche Leistungen,...

Die Sonette in der Inszenierung von Robert Wilson mit der Musik von Rufus Wainwright sind einfach etwas für Herz und Seele! Wilson verzaubert die Zuschauer mit Bildern aus einer irrealen Welt und lässt seine Schauspieler - alle Frauen werden von Männern, alle Männer von Frauen gespielt - diese Welt wie Zauberwesen durchwandern. Zur Stimmung tragen neben der Musik vor allem das Licht und die Farben sowie die fantastischen Kostüme bei.

Besonders erwähnenswert: Christopher Nell als "Eve", der die Interpretation des Sonett 66 so beeindrucken hoch singt, dass das Publikum ihn dafür mit Zwischenapplaus belohnt. Ein weiterer Höhepunkt des Abends ist das Sonett 20, gesungen von Sabin Tambrea als "Lady" und in einer weiteren Szene von der Diseuse Georgette Dee.

Zum ersten mal ist etwas von den Sonetten, die zwar Bestandteil meines Studiums waren, die ich aber bis dato irgendwie nie richtig verstanden habe, auch bei mir hängen geblieben! Und ja, bei Wilsons Shakespeare Sonetten geht es nicht darum, alles zu verstehen, sondern darum, das zuzulassen, was uns hier geboten wird und als schönes Erlebnis mit nach Hause zu nehmen.

Foto: Lesley Leslie-Spinks

Zwischen Schein und Sein: "John Gabriel Borkmann" (Schaubühne)

2009-09-27T19:20:00.002+02:00

"John Gabriel Borkmann" in der Inszenierung von Thomas Ostermeier an der Schaubühne zeigt Emotionen auf der Bühne und erzeugt Emotionen beim Zuschauer.

Wütend macht einen die Arroganz von Borkmann gegenüber seinen Mitmenschen und die Uneinsichtigkeit in Bezug auf die eigene Schuld. Mitleid hingegen erzeugt die Unfähigkeit des alternden Geschäftsmanns, Liebe anzunehmen und der Moment, in dem er bereit ist, sich aus der Isolation wieder unter seine Mitmenschen zu begeben und vom eigene Sohn zurückgestoßen wird.

Die Rolle des John Gabriel Borkmann spielt Josef Bierbichler und er tut dies so überzeugend, dass man sich permanent fragt, was Schein und was Sein, wo der Unterschied zwischen Rolle und Schauspieler ist. Und so ist man auch bei der Darstellung der Figur Borkmann durch den Schauspieler Bierbichler permanent zwischen Zu- und Abneigung hin- und hergerissen.

Fazit: Ein Stück, das Dank des großartigen Hauptdarstellers nachhaltig beeindruckt.

Weniger ist mehr: "Entführung aus dem Serail" (Staatsoper unter den Linden)

2009-09-07T23:15:00.002+02:00

Wenn Theaterregisseure Opern inszenieren, ist das für den "geübten" Theatergänger ein sehr zu begrüßender Umstand. Wer eher eine Affinität zum Sprech- als zum Musiktheater hat, kann dann auch eine Oper bis ins Detail genießen. Ich gehe gerne in die Oper, doch wird mir der Genuss leider manchmal etwas dadurch getrübt, dass viele Operndarsteller schauspielerisch nicht das leisten können, was ich aus dem Theater gewohnt bin. Das sogenannte Overacting, das vielen Sängern eigen ist, mag dem Genre zwar imanent sein (große Gesten gehören nun mal zur Oper), aber es macht eben mehr Spaß, wenn die Darsteller nicht nur gut singen, sondern auch gut spielen. So gesehen in der "Entführung aus dem Serail" in der Staatsoper unter den Linden, inszeniert von Michael Thalheimer.

Thalheimer holt schauspielerisch das Optimum aus den Darstellern heraus. Zudem durchmischt er den deutschen Originaltext mit englischen, italienischen und russischen Sätzen und schafft so eine moderne Interpretation der "Entführung aus dem Serail". Darüber hinaus entlarvt er Stereotypen, indem er die Figuren in Mozarts Singspiel beinahe marionettenhaft agieren lässt. Thalheimers Figuren ziehen sich an und stoßen sich wieder ab, treten sich manchmal ganz und gar körperlich gegenüber, um schließlich doch nicht zueinander zu finden, weil sie es nicht können oder wollen. All das ist höchst nachvollziehbar: Letztlich steht jeder für sich auf der leeren Bühne. Dazu passt die puristische Kulisse, die Thalheimers Bühnenbildner Olaf Altmann (ebenfalls ein renommierter Theatermann) entworfen hat. Wände und Böden sind schwarz, von den einzigen Requisiten, vier Stühlen, geht Gefahr ("Martern aller Arten" und Gefangenschaft) aus. Stimmungen und Szenenwechsel werden allein durch Licht und die sich auf und ab bewegende zweite Bühnenebene erzeugt.

Bleibt noch zu betonen, dass auch die gesanglichen Qualitäten der Darsteller mehr als überzeugen, um operninteressierten Theatergängern einen Besuch von Thalheimers "Entführung" schmackhaft zu machen.

Verrückte Vögel im AGORA: "Vögel ohne Grenzen" (Volksbühne)

2009-07-13T23:59:00.002+02:00

Verrückte Vögel im AGORA, der temporären Spielstätte der Volksbühne!

Das gut einstündige Stück "Vögel ohne Grenzen" nach Aristophanes in der Freilichtersatzspielstätte war vor allem eins: Eine Riesen-Gaudi! Wenn man sich einmal damit abgefunden hat, dass man hier nicht alles verstehen muss, wird das Stück von Jérôme Savary zu einem großen Vergüngen. Und dieses Vergnügen sieht man auch den Schauspielern an, die sich offensichtlich so richtig austoben im vor der Volksbühne aufgeschütteten Sand. Seien es die Kostüme (Vogelgewänder jeglicher couleur), Requisiten (Peniskekse und Körperteile aus Gummi), und die Kulisse (großartig: die vor sich hindämmernde Jury aus Pappfiguren), seien es die teils improvisierten Dialoge mit allerlei Anspielungen auf aktuelle Geschehnisse (Pyromusikale) - man spürt hier die Lust am Spielen. Fast wirkt es, als wollten die Schauspieler testen, wie weit sie gehen können, ja, was das Publikum alles mitmacht. "Typisch Volksbühne" mag manch einer denken - aber es ist doch etwas mehr: das Spiel wirkt erfrischend leicht, ein einziges Ausleben der Fähigkeiten. Bisweilen zuckt man zusammen, wenn Bill (Christoph Letkowski) sich zum wiederholten Male mit einem Sprung auf die Knie stürzt, die Zuschauer ziehen die Köpfe ein, wenn Bob (Axel Wandtke) und Bill die Zutaten ihrer "Kochshow" ins Publikum werfen, Prometheus (Jorres Risse) erscheint im Goldhöschen mit draufmodelliertem Musterpenis, um den Vögeln Tipps zur gütlichen Einigung mit den Göttern zu geben - doch das alles passt einfach in das Gesamtbild des Abends. Das alles ist schön schräg und wirkt dadurch so befreidend auf Zuschauer und Schauspieler und überschreitet dennoch die Grenze zum Geschmacklosen nicht.

Zum Abschluss der Spielzeit war "Vögel ohne Grenzen" eine großartige Demonstration von Schauspielkunst, die einfach großen Spaß macht!

Theatertreffen 2009: Preiskampf

2009-05-17T21:00:00.002+02:00

Am vergangenen Samstagabend wurde vor laufenden Kameras während einer einstündigen Jurydiskussion der Preisträger des mit 10.000 Euro dotierten 3sat-Preises für herausragende künstlerische Leistungen des deutschen Schauspiels bestimmt.

Beim sogenannten "Preiskampf" nominierten vier Theaterexperten einen persönlichen Kandidaten aus den zum Theatertreffen eingeladenen Ensembles. Innerhalb von 60 Minuten musste sich die Jury auf einen Gewinner einigen.

Die vier Jurymitglieder und ihre Kandidaten:

Eva Behrendt (Theaterkritikerin): Christoph Schlingensief mit seinem Fluxus-Oratorium „Eine Kirche der Angst vor dem Fremden in mir“

Jenny Erpenbeck (Regisseurin und Autorin): Marion Breckwoldt in „Marat, oder was ist aus unserer Revolution geworden“ von Volker Lösch

Claus Peymann (Direktor des Berliner Ensembles): Birgit Minichmayr, Nicholas Ofczarek und Werner Wölbern in „Der Weibsteufel“ von Martin Kušej

C. Bernd Sucher (Publizist): Annette Paulmann in „Der Prozess“ von Andreas Kriegenburg

Die vier Kandidaten wurden jeweils in einem zweiminütigen Plädoyer mit einem kurzen Filmeinspieler vorgestellt. Danach folgte die Diskussion, die zu einer Entscheidung über den Gewinner führen sollte.

Neben der Darlegung von pro und contra für die vier Kandidaten entspann sich eine Diskussion über das Theater in Deutschland und das Theatertreffen im Allgemeinen. Vier Theaterexperten mit unterschiedlichen Ansichten darüber, was das Theater zu leisten hat und welche Position das Theatertreffen einnehmen solle, präsentierten sich unterschiedlich stark auf der Bühne. Schon nach Sekunden war klar, wer hier im „Ring“ dominierte: Claus Peymann, der seine Kandidaten mit dem größten Selbstbewusstsein verteidigte. Das Ergebnis nach 60 Minuten Preiskampf lautete somit konsequenterweise auch: Minichmayr, Ofzarek und Wölbern im „Weibsteufel“.

Die Diskussion und das Ergebnis wurden von einer Vielzahl der Zuschauer mit Buh-Rufen dokumentiert, die sich sicher auch an Claus Peymanns Auftreten störten. Dieser wurde nicht müde zu erwähnen, dass er die größte Theatererfahrung in der Runde habe und eine Vielzahl wichtiger Schauspieler, Regisseure und Dramatiker (ebenso die nominierten Kandidaten) persönlich kenne bzw. schon mit ihnen gearbeitet habe. Dies kann ihm zwar als unbescheiden ausgelegt werden, ist aber als Mittel in diesem Preiskampf verständlich. Warum sollen persönliche Erfahrungen keine Rolle bei der Entscheidung spielen?
.
Am Ende zählte nicht, wer besser argumentierte, sondern wer sich am selbstbewusstesten präsentierte. Und das war eindeutig Claus Peymann. Man muss mit Peymann nicht einer Meinung und mit dem Ergebnis nicht einverstanden sein, aber die Reaktion des Publikums war doch sehr irritierend, denn:
Die vier Jurymitglieder wurden ausdrücklich als „streitbare Experten“ eingeladen. Warum sollten sie sich dann nicht so verhalten? Kann man es jemandem vorwerfen, wenn er seinen Kandidaten mit allen Mitteln verteidigt? Genauso hätte man den anderen Jurymitgliedern vorwerfen können, ihre Kandidaten nicht mit mehr Herzblut verteidigt zuhaben. Warum konnten die anderen mit ihrem Auftritt nicht besser überzeugen? Klar ist, es handelte sich hier um einen ungleichen „Kampf“, denn wenigstens zwei der Jurymitglieder waren Peymann offensichtlich nicht gewachsen. Als logische Konsequenz lenkte Eva Behrendt sogar wenige Sekunden vor Ende der Diskussion plötzlich ein und entschied sich ohne nähere Begründung für Peymanns Vorschlag. (Das wäre gar nicht nötig gewesen, da die Mehrheitsentscheidung für die „Weibsteufel“-Schauspieler schon stand.) Die Buh-Rufe am Ende des Preiskampfes sind daher für mich nur teilweise nachvollziehbar.

Das Verhalten aller auf der Bühne des Preiskampfes lässt sich vielleicht mit der besonderen Situation erklären. Die Diskussion live und vor laufenden Kameras auszutragen, war eine Neuerung. Es stellt sich also die Frage, ob die vier Jurymitglieder anders „gestritten“ hätten, wenn die Entscheidung nicht öffentlich ausgetragen worden wäre?

Die Entscheidung, wer den 3sat-Preis erhalten soll, wurde in nur 60 Minuten getroffen. Verständlicherweise bleibt da bei vielen Zuschauern ein ungutes Gefühl. Denn der Preis ist mit immerhin 10.000 Euro dotiert. Sollte eine solche Entscheidung nicht wohl überlegt und ohne Zeitdruck getroffen werden? Das teilweise doch sehr plötzliche Einlenken der Mitstreiter, geschah klar aus Gründen des Zeitdrucks und nicht weil, Peymann sie überzeugt hatte. Ich vermute, dass – wenn mehr Zeit gewesen wäre – Peymann sich auch mit Suchers Vorschlag (Annette Paulmann) einverstanden erklärt hätte, da er sich diesem von Anfang an nicht abgeneigt zeigte. Aber dafür war eben nicht genügend Zeit.

Interessant und spannend war die öffentliche Austragung einer Jurydiskussion in jedem Fall, doch ist schwer vorstellbar, dass eine Entscheidungsfindung im „stillen Kämmerlein“ ohne Publikum ähnlich verlaufen wäre.

Wäre es im übrigen nach dem Publikum gegangen, wäre Schlingensief der Gewinner gewesen, das machten die zahlreichen „Schlingensief“-Zwischenrufe deutlich. Aber der 3sat-Preis ist nun mal kein Publikumspreis.

1. Berliner Theater-Tour

2009-05-12T16:12:00.000+02:00

Sie hat nicht nur Spaß gemacht, sondern wir haben alle auch richtig viel gelernt – bei der 1. Berliner Theater-Tour.

Wer gerne ins Theater geht und darüber hinaus neugierig auf die Geschehnissen hinter den Kulissen ist, sollte Gelegenheiten nutzen, um immer Neues über das Theater zu erfahren. Das taten wir…

So trafen wir – 10 Theaterbegeisterte – uns am vergangenen Samstag im Theater am Schiffbauerdamm, um mit Herman Wündrich, Dramaturg am BE, über das Theater im Allgemeinen und seine Arbeit als Dramaturg im Speziellen zu sprechen. Eine Stunde, in der wir Herrn Wündrich alles fragen konnten, was uns in Bezug auf die Arbeit am Theater auf der Seele brannte, verging wie im Flug. Geduldig und freundlich stand uns Herr Wündrich Rede und Antwort. Ich denke, ich kann für meine Mitstreiter sprechen, wenn ich sage, dass wir aus dieser Stunde so viel an Informationen mitgenommen haben, wie es intensive Recherche im Internet und Studien der Tages- und Fachpresse kaum zu leisten vermögen.

Die anschließende Führung durch das Theater, die von Werner Riemann, dem dienstältesten Mitarbeiter des BE, durchgeführt wurde, machte die spannende Geschichte des Theaters am Schiffbauerdamm und des Berliner Ensembles im wahrsten Sinne des Wortes lebendig. Herr Riemann, der Brecht und Weigel noch persönlich kennen gelernt und mit ihnen gearbeitet hatte, gab zahlreiche Anekdoten aus über 50 Jahren BE zum Besten. Er führte uns auf, hinter und unter die Bühne, zeigte uns viel Räume und Winkel des berühmten Theaters und imitierte dabei immer wieder Helene Weigel und viele andere Theatergrößen mit einem hinreißenden Humor.

An dieser Stelle sei Herrn Wündrich und Herrn Riemann noch einmal herzlich für einen tollen und höchst informativen Nachmittag gedankt!

Und weil eine Theater-Tour ohne den Besuch eines Stückes keine richtige Theater-Tour ist, rundeten wir unseren Tag mit dem Besuch von „Gefährliche Liebschaften“ im Deutschen Theater ab. Diese Inszenierung wie auch den gesamten Tag diskutierten wir anschließend bis in die Nacht in der Bar des DT.

Fazit: Eine 2. Berliner Theater-Tour wird sicher folgen.
Wer das nächste mal dabei sein möchte, darf sich mit Wünschen und Vorschlägen gerne an mich wenden.

Theatertreffen 2009: Theater ist Vergänglichkeit

2009-05-03T22:29:00.001+02:00

Bei der heutigen Verleihung des Theaterpreises an Jürgen Gosch und Johannes Schütz im Rahmen des Theatertreffens bezeichnete der Laudator Roland Schimmelpfennig Theater als vergänglich, denn alles, was einmal auf die Bühne gebracht werde, verschwinde wieder. Gerade das sei es, was Theater so besonders mache.

Ich möchte diesen Gedankengang aufgreifen und etwas weiterführen…

Wir sind daran gewöhnt, alles, was wir im Fernsehen sehen, aufzeichnen zu können, uns Filme auf DVD auszuleihen oder Sendungen aus dem Internet downzuloaden. So können wir eine Filmszene beliebig oft sehen, wenn sie uns gefällt oder wir sie nicht verstanden haben. Wir können einen Film oder eine Aufzeichnung einer Sendung auch anhalten, wenn wir aus welchen Gründen auch immer eine Pause brauchen. Im Theater geht das nicht.

Sicher, manchmal werden Theaterstücke aufgezeichnet, so dass wir sie uns später bei ARTE oder 3sat ansehen können, aber das ist nicht das gleiche wie das Erlebnis einem Stück im Theater zu folgen und es mitzuerleben. Kameraführung und Schnitt geben bei einer Aufzeichnung in gewisser Weise vor, was der Zuschauer vor dem Bildschirm sieht. Auch fehlen die besondere Atmosphäre, die herrscht, wenn wir im Zuschauerraum sitzen und das Gefühl, das Erlebnis mit irgendwie Gleichgesinnten zu teilen.

Fernsehen und Kino ist duplizierbar, kann abgespeichert und jederzeit wieder abgerufen werden, und ist deswegen leider oft auch sehr beliebig. Sich hingegen ein Theaterstück anzusehen, ist immer ein einmaliges Erlebnis.

Selbstverständlich besteht auch die Möglichkeit, sich eine Inszenierung mehrmals anzusehen, es wird aber trotzdem jedes Mal etwas anderes sein, denn bei jeder Aufführung wird es kleine (wenn auch oft nur minimale) Abweichungen vom letzten mal geben. Auch kann es vorkommen, – z.B. bei Stücken, die sehr lange auf dem Spielplan stehen – dass Umbesetzungen vorgenommen werden, welche der Inszenierung eine neue Nuance verleihen können. Wer häufig ins Theater geht, wird bemerken, dass es Inszenierungen gibt, in denen die Schauspieler unterschiedlich auf die Zuschauer reagieren, z.B. in Szenen in denen das Publikum angesprochen bzw. miteinbezogen wird. Theater ist eben „live“, also echt und unmittelbar. Die Distanz zu dem, was vor unseren Augen abläuft, ist deswegen geringer. Auch die Tatsache, dass wir uns terminlich, nach dem Angebot und Spielplan eines Theaters richten müssen, spielt eine Rolle. Auf diese Weise entsteht keine Beliebigkeit.

Im besten Fall schärft Theater sogar unsere Sinne und wir lernen, richtig hinzusehen und -hören und damit zu verstehen. Während einer Aufführung ist die Aufmerksamkeit des Zuschauers sehr viel stärker gefragt als vor dem Bildschirm oder der Leinwand. Wenn wir etwas nicht verstanden haben, können wir das Stück nicht zurücklaufen lassen. Wenn uns eine Szene besonders gut gefallen hat, können wir sie uns nicht unmittelbar noch einmal ansehen. Wir können, das, was wir sehen, auch nicht anhalten, um eine Pause zu machen, sondern wir müssen dem Stück weiter folgen. Wir müssen zuhören und zusehen und aufpassen, dass wir nichts verpassen, damit wir begreifen, was uns gezeigt wird. Das macht das Erleben eines Theaterstücks viel intensiver als es ein Film oder eine Fernsehsendung zu leisten vermag.

Und – um die Worte von Roland Schimmelpfennig an dieser Stelle wieder aufzugreifen – irgendwann, auch wenn ein Stück über viele Jahre auf dem Spielplan eines Theaters steht, verschwindet es und wird nie wieder von einem Zuschauer gesehen werden. Es ist nicht reproduzierbar. „Theater ist Vergänglichkeit“, sagte Schimmelpfennig in seiner Laudatio. Genau das ist es, was das Erlebnis Theater so besonders und vor allem einzigartig macht.

1. Lange Nacht der Opern und Theater

2009-04-26T17:45:00.002+02:00

Wie plant man die Lange Nacht der Opern und Theater? Vor diese Frage sah ich mich gestellt als meine theaterinteressierten Freunde mich baten, doch eine Route für uns auszuarbeiten. Da es sich bei dieser Veranstaltung um eine Premiere handelte, konnte ich nicht mit Erfahrungswerten aufwarten. Recht machen kann man es sowieso nicht jedem - also stellte ich die Route ganz einfach nach meinen eigenen Vorlieben zusammen. Wichtig war, dass wir eine gute Mischung aus den großen Häusern und den kleinen Theatern haben würden.

Treffpunkt und Start: 18.30 Uhr am Bebelplatz. Wir: Sechs Berliner und ein Gast aus USA, aufgedreht und erwartungsfroh. Unseren ersten Programmpunkt, das BAT, an dem um 19.00 Uhr "aktuelle Arbeiten" gezeigt werden sollten, müssen wir leider direkt von der Liste streichen, da wir schon viel zu spät dran sind als wir um kurz vor sieben endgültig in den Bus steigen. Dieser braucht dann bis zum zweiten geplanten Ziel, der Volksbühne im Prater, eine gefühlte Ewigkeit. Wir entscheiden, ab jetzt auf die öffentlichen Verkehrsmittel umzusteigen, weil das wahrscheinlich schneller geht.

Um 20.00 Uhr sitzen wir vor einem glitzernden Blumenvorhang im Theatersaal des Praters und warten gespannt. Die Atmosphäre im Saal ist erfrischend locker. Ob das an dem Raum liegt (wir sitzen auf Holzbänken mit Blümchenkissen, man spürt und riecht geradezu, dass es sich um einen frisch renovierten Raum handelt, der noch etwas improvisiert wirkt)? Oder hängt es mit dem Event-Charakter des Abends zusammen? Sicher ist, dass es sich nicht um das gewohnte Volksbühnen-Publikum handelt; hier findet sich eine Mischung aus alteingesessenen Volksbühnen-Fans, Theater-Neulingen und Neugierigen. Es herrscht eine ungewohnte Unruhe im Saal. Und während noch weitere Zuschauer den Publikumsraum betreten, geht es auch schon los. Wir sehen einen halbstündigen Ausschnitt aus René Polleschs "Ein Chor irrt sich gewaltig". Auf der Bühne besticht vor allem Sophie Rois im schwarzen hochgeschlossenen Kleid und mit der gewohnt charmanten österreichischen Sprachfärbung. Die Gefechte, die sie verbal und körperlich mit dem in sehr bunten Kleidern gewandeten Chor, der wechselnde Figuren darstellt, austrägt, werden von den Zuschauern mit Zwischenapplaus belohnt. Wir bekommen eine Mischung aus Komödien-Elementen und Film-Motiven gespickt mit philosophisch-soziologischen Thesen ("Das Elend der Sexualität steckt nicht in ihrer Unterdrückung. Im Gegenteil, wir sollen ja dauernd über Sex reden.") geboten. Das macht großen Spaß und Lust, das Stück bald komplett zu sehen. Fazit: Auftakt geglückt! Wir honorieren das mit Applaus und Bravo-Rufen.

Unser nächstes Ziel ist das "Theater unterm Dach". In diesem bezaubernden Haus, das ein wenig an eine Villa aus einem Märchen- oder Kinderfilm erinnert, wollen wir "Grete nach Goethes Faust" sehen, können aber leider nicht. Wir werden gemeinsam mit vielen anderen Besuchern weggeschickt, da der Raum schon voll besetzt ist. Schade!

Etwas enttäuscht beschließen wir umzudisponieren und machen uns direkt auf den Weg zur Schaubühne. Dort herrscht die gewohnt unprätentiöse Stimmung. Die Leute hier freuen sich einfach auf das Theater, müssen das aber deshalb nicht mit Kleidung, Habitus oder geschwollenen Reden dokumentieren. Herrlich! Ich liebe die Schaubühne! Wir freuen uns auf Szenen aus "Ein Sommernachtstraum" frei nach William Shakespeare (Regie: Thomas Ostermeier, Choreographie: Constanze Macras). Beinahe hätte man uns auch hier nicht reingelassen, doch die Damen am Einlass sind gnädig. Wir dürfen uns an den Rand stellen und auf die Treppen setzen. Doch zuerst müssen wir über die Bühne, um auf die andere Seite in den Zuschauerraum zu kommen. Die Schauspieler begrüßen uns auf der Bühne zu einer Party und schenken uns Bowle aus. Die Elektro-Beats der dreiköpfigen Band dröhnen im Kopf. Die Darsteller tanzen orgiastisch auf der Bühne. Entspannt zurücklehnen kann und sollte man sich hier als Zuschauer nicht. Schauspieler Lars Eidinger stript und lässt anschließend seine Genitalien durch eine Maske zum Publikum sprechen ("Das ist das einzige Ziel, den Spaß euch auszumerzen"). Das ist der Moment, in dem bei vielen Zuschauern wohl ein unangenehmes Gefühl, vielleicht Scham, ausgelöst wird. Einige der älteren verlassen den Saal. Ob es an der Szene liegt oder ihnen einfach die Musik zu laut ist, sei dahingestellt. Wer hier einen "klassischen" Sommernachtstraum erwartet hatte, wurde sicherlich enttäuscht. Ruhig wird es erst als der Counter-Tenor Alex Nowitz seinen Einsatz hat. Die Mischung aus Tanz- und Sprechtheater mit Gesang ist eine gelungene Lesart des shakespearschen Sommernachtstraums. Als wir uns anschließend über das Gesehene austauschen fällt folgender Satz unseres amerikanischen Gastes: "This is what we in Amerika suppose German theater to be." Interessant! Scheinbar glaubt man in Amerika, dass das, was wir hier eben gesehen haben, auf deutschen Bühnen "normal" ist. Gerne würde ich dies bei Gelegenheit einmal nachprüfen.

In die Übersetzungs-Quizshow "Babelfish" im Studio der Schaubühne kommen wir dann zur Abwechslung erst mal nicht rein, weil wieder zu viel los. Wir warten eine Stunde in der Bar nebenan und schaffen es dann doch. Die Zuschauer müssen Zitate aus Literatur, Film und Politik, die zuvor mit der Übersetzungssoftware "Babelfish" in verschiedene Sprachen und dann wieder ins deutsche zurückübersetzt wurden, erraten. Die Lösung soll per Handy an die Schauspieler auf der Bühne durchgegeben werden, was nicht immer klappt, weil manchmal sofort die Mailbox anspringt. Spaß macht's trotzdem!

Mittlerweile ist es Mitternacht und wir fahren zum Admiralspalast, wo wir zum Glück nicht warten müssen, um eingelassen zu werden. Wir bekommen noch die letzten Songs der Band Cesarians mit. Die Musik mutet, so vertraut an, dass man bei jedem Lied glaubt, mitsingen zu können, doch das täuscht. Die Songs klingen wie eine Mischung aus Brecht/Weill, Waits, Cash, Musical u.v.a. und stimmen uns noch mal feierlich am Ende des Abends, der direkt übergeht in den tanzbaren Teil. Zwei DJs, einer von beiden Lars Eidinger, den wir heute schon einmal auf der Bühne gesehen haben, legen bis spät in die Nacht auf. Meinen Musikgeschmack trifft das, was von den Plattentellern kommt zu 100% - unmöglich die Tanzfläche zu verlassen. Und so wird es dann eine wirklich lange Nacht...

Fazit der 1. L.N.d.O.u.T.:
1. Mit der Entdeckung des Programms der kleinen Häuser hat es leider nicht ganz geklappt.
2. Um nicht die halbe Nacht im Bus zu verbringen, sollte man sich auf einen Bezirk konzentrieren. Wir haben letztlich nur drei Häuser geschafft, was dem Spaß aber keinen Abbruch getan hat.
3. Wer erwartet hat, sich durch die Veranstaltung einen guten Überblick über viele verschiedene Häuser schaffen zu können, wurde leider enttäuscht. Die Zeit dafür ist einfach zu kurz und die Spielstätten liegen zu weit auseinander.
4. Auf jeden Fall sollten sich die Veranstalter etwas einfallen lassen, damit die Besucher nicht permanent Schlange stehen müssen und dann doch nicht reinkommen (Zitat einer Dame in einer Warteschlange: "Habe ich mir jetzt ein Ticket für 12 Euro gekauft, um damit die ganze Nacht Bus zu fahren?"). Vielleicht sollte beim nächsten Mal ein ganzer Tag oder sogar ein Wochenende eingeplant werden.
5. Was zählt ist das Gesamterlebnis. Alles in allem hat die L.N.d.O.u.T. großen Spaß gemacht! Ich freue mich auf's nächste Mal!